martes, 30 de enero de 2018

SPANISH BIZARRO: EL ROBOBO DE LA JOJOYA

Durante la década de los 80 y parte de los 90 hubo un dúo cómico (aunque inicialmente fuera un trío) que lo petaba en televisión con sketches surrealistas y esperpénticos. Ese dúo no era otro que Martes y Trece, o lo que es lo mismo: Josema Yuste y Millán Salcedo. Y claro, ya sabemos lo que nos gusta en este país ver pelis con los humoristas del momento. Martes y Trece no tardó en dar el salto a la gran pantalla y una de las pelis más entrañables que realizaron fue El Robobo de la Jojoya.


Dos hermanos ladronzuelos de profesión planean el robo de un diamante llamado el ojo de Nefertiti. Sin embargo, se les adelantan y los hermanos son arrestados y acusados de un crimen que no han cometido. Para demostrar su inocencia tendrán que escapar de prisión e ir en busca de los auténticos ladrones. 

Segunda colaboración de Álvaro Sáenz de Heredia con Martes y Trece. No olvidemos que Sáenz de Heredia es un director muy bregado en estos menesteres, tal y como hizo con Andrés Pajares en "La hoz y el Martínez” o con Chiquito de la Calzada en la trilogía épica "Aquí llega Condemor, el pecador de la pradera”, “Brácula” y “Papá Piquillo”.


El film es una sucesión de sketches al servicio de Martes y Trece. Sorprende que se necesitaran 3 guionistas para elaborar un guión, cuanto menos, poco elaborado. Eso sí, un gag memorable es el que concierne al desnudo gratuito de Esther Del Prado con Josema Yuste siguiéndole las tetas con la mirada mientras narra las noticias desde la televisión. Fabuloso. 

La secuencia del juicio también es notable dada su hilaridad, pero también hay tramas que se hacen excesivamente largas como la de la tienda de ropa (en ocasiones creía estar viendo “Crimen Ferpecto” de Alex De La Iglesia).

Con más pena que gloria transcurre el cameo de Emilio Aragón haciendo de cliente que se las ve y se las desea con un traje rebelde en los probadores. Pero la guinda del pastel es la aparición de un cocodrilo falso de cojones el cual, para más inri, adquiere notable protagonismo en los créditos finales. Sospecho que el departamento de efectos especiales sufrió algunos recortes de presupuesto.


Cabe destacar que “El Robobo de la Jojoya” no llegó a tener el éxito comercial de su predecesora “Aquí huele a muerto… ( ¡Pues yo no he sido! ) pero, aún así, llegó a ser la segunda película española más taquillera del 1991 tras la todopoderosa "Makinavaja, el último choriso".


Hablamos de una película que solo disfrutarán los incondicionales de Martes y Trece. No ha envejecido del todo bien y lo mejor es verla como legado del humor que se destilaba en este país por aquél entonces. Si solo te apetece echar unas risas tontas, mejor que mejor. Eso sí, evita su visionado si tienes cerca a Carlos Pumares




Aureli Del Pozo
@Aureli_Vader

domingo, 28 de enero de 2018

Town of Runners

¡Muy buenas Dominguers!,

Tal y como os comenté cuándo recomendé Grizzly Man, el cine documental no tiene porqué ser un género aburrido y/o de contenido puramente científico. Los documentales, al igual que cualquier otro tipo de películas, también son una ventana hacia el conocimiento sobre otras culturas diferentes a las nuestras sin tener que movernos del sofá.

Para hoy os traigo una historia del "tercer mundo", que nos mostrará un retrato de la Etiopía más rural, esa que no nos muestran en las agencias de viajes, a través del sueño de dos amigas. 

La peli en cuestión es Town of Runners; Un documental rodado en Bekoji, un pequeño pueblo del cuál han salido varios corredores de larga distancia condecorados con medalla de oro. Un hecho que, dónde en un lugar dónde sólo conocen el trabajar la tierra de sol a sol y apenas llega un ápice de tecnología a sus chabolas, hace del deporte la única alternativa a tener un futuro mejor y más fructífero.


La historia se centra sobre todo en la carrera de unas de adolescentes, amigas de la infancia, que pasan sus días preparándose para competir y poder llegar al nivel de sus ídolos del running, un deporte duro en un país dónde muchos han de practicarlo descalzos y entrenar en medio del bosque. 

A lo largo del documental conoceremos a sus familias, amigos y cómo no, a su entrenador. Gente muy humilde y en la mayoría de casos sin estudios, que trabajan duro cada día para conseguir un futuro mejor para esos niños que todo y vivir en un ambiente hostil, no pierden la sonrisa ni las ganas de perseguir sus sueños.


Pero a medida que las muchachas vayan ascendiendo en su carrera, descubrirán que no todo el monte es orégano y que el mundo del deporte profesional esconde una parte oscura dónde las trampas están al orden del día, los clubes ofrecen unos contratos esclavistas y sobretodo aprenderán que el que un día está primero en podio, al siguiente puede ser el último de la carrera.

Miseria, esperanza, esfuerzo y bondad, son algunas de las cosas que encontraremos en éste maravilloso documental de 2012 que nos ofrece un retrato de la Etiopía que no nos van a enseñar así como así. Una cinta que nos hace valorar lo que tenemos a la vez que nos hace reflexionar sobre si nos esforzamos los suficiente por cambiar nuestro presente y nuestro futuro.


Ideal para ver con algún colega de esos que gastan ropa muy cara para correr un par de vueltas a la manzana por el barrio.



miércoles, 24 de enero de 2018

Crónicas Festivaleras: Entrevista a Arno Frisch

Es difícil ver entrevistas a Arno Frisch por la red. Cuando lo tienes delante te das cuenta de que es una persona calmada, reflexiva, que mide cada palabra con la frialdad (no en un sentido negativo) que lo caracteriza. El protagonista de Funny Games, poseedor de esa inquietante sonrisa que nos deja helados y nos hace cómplices al mirarnos directamente a los ojos en el título de culto de Haneke, visitó Molins de Rei (Barcelona) el pasado mes de noviembre para unirse al jurado de esta pasada edición del Festival de Cinema deTerror de Molins de Rei, que rendía homenaje al mítico realizador, lo cual aprovechamos para sentarnos un rato y atosigarle a preguntas.


Cine Domingo: Se cumplen 20 años del lanzamiento de Funny Games. A pesar de su limitada distribución, enseguida logró el status de película de culto. ¿Esperabais esta respuesta?
Arno Frisch: No, nunca lo habríamos esperado. Es una película especial, peculiar. Cuando tuvimos la première en Cannes, mucha gente se marchó de la sala enfadada, pero haciéndose notar: dando portazos (risas). Está claro que es una película fuerte.
CD: ¿Piensas que quizás el status se logró gracias a la controversia de la que hablabas?
AF: Sí, desde luego. Pero también creo que a la gente le gusta este tipo de películas… si no te la tomas demasiado enserio.
CD: ¿Cómo llegaste a conocer a Haneke y a conseguir un papel en Benny’s Video?
AF: Fui al casting, sin más. Tenía un pequeño texto, lo hice, le gustó cómo lo hice… y lo conseguí.

“Me siento mejor cuando un director me dice qué es 
exactamente lo que espera de mí”

CD: Michael parece una persona realmente seria. Viendo sus películas, uno puede imaginar una especie de sensación mística durante los rodajes. ¿Cómo es trabajar con él? ¿Cómo fue la experiencia?
AF: Sí, es cierto. Se toma muy en serio su trabajo. Es muy preciso, lo planifica todo. Para mí, como actor, esto me resulta de lo más cómodo. Me gusta cuando un director sabe exactamente lo que quiere, tenía respuesta a cualquier pregunta que pudiera surgirme, nunca me dejó solo ante el peligro... No lo sé, quizás otros actores buscan más libertad, pero en mi caso me siento mejor cuando un director me dice qué es exactamente lo que espera de mí.
CD: Tus papeles en las películas de Haneke son muy retorcidos. ¿Cómo te preparaste psicológicamente? ¿Tomaste alguna referencia en particular?
AF: Mi personaje en Benny’s Video es mucho más retorcido. Me resultó más difícil a la hora de preparar el personaje. En Funny Games, realmente se trata solo de dos chiquillos “jugando”. Son como Beavis & Butthead haciendo gamberradas. No resultó difícil prepararlo psicológicamente: solo tenía que divertirme.
CD: Funny Games explora el papel y los límites de la violencia en el cine. Estás en un festival de cine de terror en donde la violencia está presente en varias (y algunas de manera horrible) formas. ¿Cuál es tu opinión personal acerca de la violencia en el cine? ¿Crees que la violencia gráfica arruina su verdadero potencial?
AF: En general estoy en contra de las limitaciones, pero no me gusta la violencia que se muestra de forma excesivamente explícita. Incluso creo que una forma más drástica de mostrar la violencia es cuando te metes en la cabeza de quien la hace. Lo interesante es querer saber, buscar ese "por qué lo hace". Muchas películas lo obvian, y pienso que es un aspecto interesante a tratar, especialmente cuando tratas temas violentos. En definitiva, no me gustan las películas que muestran violencia sin motivo alguno.

“El arte es algo libre, y creo que es bueno e importante que siga siendo libre. De todos modos, creo que eso no debería ser un problema en una sociedad avanzada.”

CD: Vamos con una pregunta clásica: ¿consideras Funny Games y Benny’s Video películas de terror?
AF: No. Mucha gente las cataloga de "terror" por algunas de sus escenas más escabrosas, pero yo las veo más como películas psicológicas. Psicósis de Hitchcock también tiene escenas fuertes, pero no es de terror. Me gusta diferenciar entre películas psicológicas y de terror.
De todas formas... ¿a quién le preocupa? ¿Las películas son buenas o no? (risas)
CD: En Funny Games hay una escena violenta en la que matáis a un niño, algo que es muy difícil de encontrar en las películas de hoy en día. ¿Piensas que con ésta fiebre de lo "política y moralmente correcto" estamos perdiendo la oportunidad de explicar historias crudas realistas?
AF: No lo sé... En Alemania, donde vivo, el arte es algo libre. Y creo que es bueno e importante que siga siendo libre. Al final es la gente la que decide qué es un éxito y qué no lo es. Si la gente decide no ver una cosa, eso no será un éxito. De todas formas, creo que eso no debería ser un problema en una sociedad avanzada…
CD: Creemos que conocer los gustos de alguien sobre cine y música te permiten conocerle mejor, así que… dinos, ¿cuáles son sus tres películas favoritas de todos los tiempos?

R: No me gustan estas preguntas (risas). ¡No puedo quedarme sólo con tres! Te diría La Princesa Mononoke (todo lo de estudio Ghibli me parece fantástico). También me gustan los hermanos Cohen, me encanta esa dirección tan genial como oscura. Dejo que escojas cualquier cualquier título de su filmografía (risas). 

Arno Frisch (izq.) y Óscar Lladó (dcha.) 


Óscar Lladó

domingo, 21 de enero de 2018

La sombra del vampiro

¡Muy buenas Dominguers!,

Si de clásicos entre los clásicos del cine hablamos, uno de los títulos que rápidamente sale a relucir es el de Nosferatu de F.W Murnau. Un título impresionante, atractivo, seductor y de culto tanto por el gran ejercicio cinematográfico que muestra la cinta, como por las historias legales y otras especulaciones que rondan sobre el proceso comercial y de rodaje de la obra.


Para éste domingo, os traigo un título que coge algunos de éstos rumores para transformarlo en una estupenda y teatral película fantástica. La peli en cuestión es La sombra del vampiro, una cinta que nos transporta al rodaje de ésta tan popular y controvertida adaptación al cine de Drácula de la cuál muchas cosas se han hablado. Un rodaje sobre el que corrió el rumor de que el actor que interpretaba al vampiro, se metía tanto en su papel, que mordía a los compañeros de plató entre muchas otras cosas.


Una creencia que llegó a derivar en la leyenda urbana de que dicho actor, realmente era un vampiro contratado por el mismísimo Murnau para dotar de aún más realismo a la película. 

La sombra del vampiro se centra en gran parte en eso, en la relación del cineasta con el "vampiro" y de cómo éste poco a poco va acabando con el equipo de Nosferatu. Transportándonos así a través de éste viaje romántico entre el hombre y la bestia, a las entrañas del expresionismo alemán en una época dónde el cine era un terreno virgen dónde todo valía.


Además de una historia de tinte fantástico, la película es una pequeña muestra de lo que se cocía entre bastidores en aquellos entonces.

Extravagancia, excesos, ego y obsesión, son alguna de las cosas que podremos ver en ésta joyita inglesa del 2000 que no decepciona te gusten o no los vampiros.

Ideal para ver con unas servesitas y algunos millenials de esos que asocian la saga Crepúsculo al cine de vampiros.

miércoles, 17 de enero de 2018

SPANISH BIZARRO: LAS AVENTURAS DE ENRIQUE Y ANA

Con el exitazo nacional e internacional del dúo musical Enrique y Ana llegó la película para su total lucimiento. Y oye, contaba con unos medios bastante dignos que más de uno quisiera hoy en día para rodar su película. A todo esto, ojito con la diferencia de edad de los protagonistas. ¿Podríamos ver hoy en día una cosa así? Lo dudo mucho. 


Enrique y Ana son hermanos y están en el mismo colegio, ella es alumna y él profesor de gimnasia. Enrique es expulsado del colegio y Ana se escapa con él. Allí empieza toda la movida. Aparecen los Coconuts, un grupo musical de cinco niños pintorescos que parecen haber esnifado pegamento en grandes cantidades y se acoplan con los protas. El malvado barón Von Nekrus deja claro que es el villano principal chillando todo el rato y llamando “imbéciles” a sus secuaces ( que además parecen familiares de Greedo, el cazarecompensas de Star Wars ). El profesor Osborne hace gala de su ternura cada dos por tres, pues es el abuelo de Enrique y Ana. Y todo ello aderezado de auténticos hits como “Abuelito”, “Super Disco Chino”, “La Gallina Co-Co-Ua”, “Coconut”, “Baile Olímpico” o la guinda del pastel, la insuperable “Caca-Culo-Pedo-Pis” de Los Punkitos. 


Estamos ante un auténtico esperpento que, no obstante, goza del cariño de los que peinamos canas. La nostalgia hace mucho y el colorido del film también. 

Agustín González está totalmente desatado como Von Nekrus, José Lifante como aventurero que bebe los vientos por Amparo Soler Leal está gracioso, pero sin duda el momentazo del film es cuando cantan en el festival Los Punkitos, Pepa Pipa y Enrique y Ana con los Coconuts. Te retrotrae inevitablemente a esos momentos bochornosos de festival de música escolar.


La inseparable máquina del abuelo, además de dar vergüenza ajena, es odiosa y muy molesta. Más pesada que C3PO en su dia más verborreico. Y prestad mucha atención al Albert Rivera homosexualizado en forma de “hombre de oro”, una auténtica máquina de matar.

Cabe resaltar que uno de los miembros de los Coconuts es el director y actor Achero Mañas cuando era un renacuajo y también que Yvonne Blake, actual presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, es la encargada del vestuario de este film ( con muchas influencias de Flash Gordon, todo sea dicho )


Nos encontramos ante una oda al buenrollismo flower power, canciones pegadizas, interpretaciones absurdas y malos de cartón piedra. Son ingredientes más que suficientes para pasar un buen rato y amar los 80 made in Spain y pasar un poquito de modas yankis rollo Stranger Things.





Aureli Del Pozo 

martes, 9 de enero de 2018

PELIS CORTICAS: Mirindas Asesinas

Qué tal Dominguers,

Si en la última entrada os hablaba de algo muy moderno y actual, hoy os traigo algo muy viejuno, pero igual de bueno. 

Mirindas Asesinas de Alex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría se escribió y rodó en un fin de semana y llegó a varios festivales a inicios de los años 90. Y lo cambió todo. 


En una época donde los grandes medios decidían que veías y qué oías las 24 horas del día, la cultura underground (videoclubs, fanzines, cómics) estaban a la orden del día, y aportaban a los jóvenes lo que otros medios de entretenimiento no les ofrecían. Entonces llegó Alex y demostró que el cine español podía estar a la altura. 

El cortometraje, además del abrumador éxito que tuvo, fue la catapulta que necesitó Alex para poder hacer su primer largometraje; Acción Mutante, y también fue la causa de que la marca España añadiera a su videoteca grandes obras que no existirían sin éste impulso de humor negro, violencia y desenfado. Grandes directores como Balagueró afirman haber alucinado con éste cortometraje así como con las primeras películas de Alex, y gracias a ello haber llegado a hacer las obras que se han hecho. 


Un buen bofetón a la cara de la industria, de los medios y del público general. 

Si he conseguido que os pique la curiosidad, os dejo un enlace a mi blog, donde tengo escrita una entrada donde profundizo más en el corto y donde disponéis de un enlace para verlo (está en Youtube, coño).



domingo, 7 de enero de 2018

AMER

¡Muy buenas Dominguers!

Cada nuevo año comienza con un propósito y el mío aquí en CineDomingo, es el de siempre. Qué veáis cine de calidad y descubráis cosas nuevas. Y qué mejor forma de hacerlo que con una cinta de corte surrealista y experimental, algo que os ayude a trascender más allá del estándar de lo más argumental para llevaros al terreno de la estética, el simbolismo y el saber hacer.


Así que mi recomendación para hoy es AMER, el primer largometraje de los creadores del neowestern Laissez bronzer les cadavres! dónde literalmente sobran las palabras, ya que su desarrollo apenas contiene unas escasas líneas de diálogo. Haciendo así que podamos abrir nuestra mente a la luz, el color y el sonido, elementos clave y básicos del cine contemporáneo.


En ésta extraña e intensa experiencia, acompañaremos a una niña durante su proceso de madurez sexual. Un proceso un tanto confuso,complejo y lleno de sensaciones, dónde el sexo, la vida y la muerte la acompañarán hasta el final del film, el cuál cabalga elegantemente entre varias etapas que van desde el cine de terror un tanto experimental hasta el Giallo más psicodélico, siendo así un más que digno homenaje al género (o subgénero según otros) italiano.


Amer es algo que se puede o no explicar, debido a que carece de una estructura argumental al uso. Hay algo, hay un mensaje que el mismo espectador debe tejer e interpretar en base a su percepción y a las experiencias que pueda compartir con otras personas. En el DVD por ejemplo, viene el libreto con un desglose de cada uno de los actos de la película, cosa que recomiendo leer no antes, si no después de ver la película para así no sugestionar la experiencia.


Color, sonido, reflexiones sobre cosas tan naturales como la sexualidad y la muerte, son algunas cosas que nos ofrece ésta joya del cine europeo de 2009 que rinde culto a la vida y la muerte a través de un (como he comentado antes) más que digno homenaje al Giallo italiano.

Impresicindible e ideal para dar un paso más allá en nuestra aventura como espectadores de cine. ¿Empecemos el 2018 bien y con un título de calidad!


viernes, 5 de enero de 2018

Anime No Shiro: Sword Art Online Ordinal Scale

¡Konnichiwa Domingers!

¡Ojo que hoy traigo algo que me encanta! Y es que, hacía mucho tiempo que un Anime, tanto en serie como película, no me enganchaba tanto.


Y es que, Sword Art Online o como todos lo conocemos "SAO", es una muy buena historia donde mezclan videojuegos, amor y una magnífica historia fantasiosa.

Sword Art Online: Ordinal Scale está producida por A-1 Pictures y dirigida por Tomohiko Itō, presenta una historia original por Kawahara, diseño de personajes por Shingo Adachi y música por Yuki Kajiura. Pero siguiendo el hilo de la trama principal de la serie Sword Art Online.

La historia nos introduce en el año 2026 (2 años después del incidente de SAO) , fecha en que el Augma es lanzado al público como un sistema alternativo al AmuSphere, debido a su función de realidad aumentada en la que el jugador está consciente, a diferencia de la realidad virtual donde los jugadores son introducidos por inmersión completa mediante un avatar. El juego más notorio en esta AR con los combates es Ordinal Scale, en donde las habilidades de los jugadores están clasificadas con números ordinales en un ranking.


Nuestros protagonistas principales son Kirito y Asuna, como es lógico. Él, el mejor jugador y héroe salvador de SAO conocido como el caballero negro y ella, una gran jugadora y una de las víctimas de el accidente de ese videojuego. Durante el film vamos a ver como todo el mundo utiliza el nuevo producto, un uso masivo debido a la amplia utilidad que tiene, no solo para jugar si no también para todo tipo de actividades didácticas. 

Cómo he dicho, Ordinal Scale es la aplicación más popular entre los jugadores. 

Ademas, también veremos como nuevos eventos se agregan al panorama del juego introduciendo enemigos del mismo SAO. Los jugadores jugarán juntos para obtener puntos y avanzar en el ranking. 

Aquí aparece la trama. Asuna es más activa en este juego que Kirito, el cual no se siente agusto en tener que jugar con su propio cuerpo. Aquí conoceremos a Eiji, el jugador número dos en el ranking de Ordinal Scale y el más habilidoso de todos los jugadores, el cual tiene una extraña conexión con Yuna, una nueva vocaloid que aparece durante las batallas de Ordinal Scale y muy famosa entre la población.


Todo esto se tuerce cuando durante las batallas, los supervivientes de SAO son eliminados del juego y empiezan a perder la memoria de todo lo vivido en aquel accidente sin saber el por qué. Así que Kirito se pondrá las pilas y buscará la solución a esos problemas, ya que Asuna, también acaba en ese estado de pérdida de sus recuerdos. 

Pero, ¿Quien es Eiji realmente? ¿Que trama realmente? ¿Que pinta Yuna en todo esto? Y lo más importante, ¿Por que pierden sus recuerdos los jugadores supervivientes al caer en el juego?

Bueno, si queréis más SAO, más Kirito, Asuna y todos sus amigos, no os perdáis está película en la que no falta acción, videojuegos, amor y rabia.

¡Arigato! ¡Hasta la próxima!


martes, 2 de enero de 2018

SPANISH BIZARRO: SUPERSONIC MAN

No podía faltar en esta sección el Superman español, un clásico de la serie Z engendrado para aprovechar descaradamente el tirón que tuvo la peli de Richard Donner. Y con un maestro del género como Juan Piquer Simón al mando (el mismo que años después dirigiría las notables Mil gritos tiene la noche y Slugs, muerte viscosa) pues está claro que la cosa promete.


En ésta maravilla trash, un extraterrestre es enviado a nuestro planeta para protegernos y salvar a alguna que otra doncella, siendo sus némesis un villano poseedor de una amplia guarida y un robot-cafetera cutre que se presupone más temible que cualquier Terminator pero que, en la práctica, da más vergüenza ajena que un capítulo de Las Campos. Además, nuestro héroe Supersonic Man cuenta con el poder de las galaxias ( debe ser pariente de “el guardián de las estrellas”, el colgao aquél que decía aquello de “el rey es mi padre” ), al que accede cómodamente por medio de su reloj Casio de pulsera, incluso debajo del agua. Su uniforme infunde un respeto atroz con el predominio del rojo y el azul y una máscara cegadora llena de purpurina. Entre sus súper habilidades se incluyen el vuelo, una fuerza sobrehumana y la memorable capacidad de hacer desaparecer objetos o de transformarlos en comida (como la mítica escena en que transforma una pistola en un plátano).

Mención especial para la espectacular musiquilla discotequera machacona que acompaña a Supersonic Man cada vez que realiza su transformación. El anticlímax en estado puro, horterismo pasado de vueltas y cachondeo garantizado.


Difícilmente puede tomarse en serio este descomunal despropósito que navega entre la parodia del cine de superhéroes y los chistes sin puta gracia (cada aparición del personaje del borracho con el perro salchicha garantiza un intento de gag fallido). Las carcajadas provienen más bien de las situaciones hilarantes que se contemplan en el film y la fotografía es digna de porno setentero. Por supuesto, ninguna de las interpretaciones se salva de la quema.


Merece la pena resaltar la escena en que nuestro responsable superhéroe utiliza sus poderes para robar una botella de champán a un chef en su propio restaurante con la única finalidad de mojar el churro. Simplemente, brillante.


Estamos ante un producto infame pero también entrañable. Un pastiche cutre de explosiones, efectos visuales imitando Star Wars con más pena que gloria, excavadoras de cartón, robots de Nespresso e incoherencias argumentales por doquier. Pero acaba dando igual porque Supersonic Man te devuelve a tu infancia más kitsch e ingenua…y sin resaca.



Aureli Del Pozo