Sólo queda un mes para que arranque la tercera edición del Sant Cugat Fantàstic, un joven festival catalán de cine fantástico que año tras año está creciendo de manera muy positiva.
Todo y que aún no está disponible el programa completo, ya se han ido desvelando títulos muy interesantes como Patria, la película épica/fantástica catalana escogida como film de clausura del festival y el slasher español Verano rojo, que será la que dará el pistoletazo de salida a ésta tercera edición del festival.
Y aunque cuentan con dos filmes españoles más confirmados, no todo es cine patrio en el Sant Cugat Fantàstic, también han sido desvelados algunos títulos internacionales como la china Monster Hunt, una película familiar con artes marciales, humor, fantasía y mucha aventura.
Entre éstos títulos y los aún pendientes por confirmar, ésta tercera edición del festival de cine fantástico de Sant Cugat que tendrá lugar del 15 al 18 de Junio, promete y mucho.
Ahora que desde hace unas semanitas la fiebre cyborg ha aumentado gracias al estreno del live action de Ghost in the Shell en cines, os voy a traer algo de ciencia ficción y robotitos algo más modesto pero también interesante.
La peli en cuestión es The Machine, un thriller de ciencia ficción de bajo presupuesto que quizás no aporta nada nuevo al género pero está entretenida y mola bastante. Una de esas pelis correctas, que funciona bien, pero como no tiene pasta ni un nombre conocido detrás, le llueven palos a tutiplén.
The Machine centra su acción en un futuro distópico dónde Inglaterra y China están sumidos en una guerra fría. Cómo en toda guerra que se precie, la cosa va de a ver quién tiene el arma más chula y por eso los ingleses experimentan prótesis y mejoras cibernéticas para el cuerpo humano con lisiados veteranos de guerra con la finalidad de crear letales soldados cyborg.
El proyecto lo encabeza un brillante científico motivado por encontrar una cura para la enfermedad de su hija a través de dichos avances tecnológicos, el cuál contrata a una brillante científica creadora de un modelo de inteligencia artificial muy avanzada. Así que se ponen manos a la obra y empiezan a trabajar en un cyborg que además de ser programado, podrá aprender y desarrollar una personalidad a través de su experiencia.
Pero el laboratorio no es trigo limpio, está lleno de peligros y a la que la chica se pone a investigar cosas que no tocan, se la cargan y el señor científico (que es muy sentimental) da vida al proyecto en el que ambos trabajaban con un super robot a imagen y semejanza de ella.
Tal es el éxito del proyecto que entre la máquina y su creador se crea un extraño y profundo vínculo que les llevará a rebelarse contra sus jefes.
Acción, cyborgs y algo de reflexión sobre la ética humana son algunas cosas que podremos encontrar en ésta interesante pieza indie de ciencia ficción británica, que todo y no aportar nada nuevo al género, cumple con creces su propósito de entretener y hacernos darle un poco de vueltas al tema tecnológico a través de su interesante premisa, banda sonora y puesta en escena.
Ideal para ver con unas servesitas, nachos y un par de colegas de esos que siempre están con el debate de tecnología si, tecnología no.
Preparaos y colocaos los arneses por que el Anime que os traigo hoy no es apto para aquellos con temor a las alturas.
Patema invertida es una película de animación japonesa de género ciencia-ficción lanzada en 2013 por Yasuhiro Yoshiura, si si el mismo que Eve No Jikan.
Todo comienza con Patema, nuestra protagonista, investigando en la "zona peligrosa", zona prohibida de una civilización de la cual es princesa y vive bajo tierra en una red de túneles y cavernas. Un día es sorprendida por un extraño hombre con traje negro y ojos rojos que cuelga del techo, del revés.
Su encuentro hace que Patema caiga hacia las profundidades de un gran agujero, pero cuando despierta está aferrada a un árbol y el vacío a sus pies, un estrellado cielo.
En ese momento, por accidente, conoce a Age, un chico fascinado con el cielo como lo fue su padre, que no cae hacia el vacío como ella y está invertido, como de otro mundo.
Age, vive en una ciudad super controlada y con unas reglas muy estrictas que hacen temer al cielo. En la ciudad tienen como gobernante a una especie de sacerdote que llama impuros a los "invertidos". Pero desconoce cuantos hay y donde viven.
Patema y Age tienen que ayudarse mutuamente para no caer al vacío cuando no se encuentran en "su mundo" y así empiezan a conocerse y vivir una historia conjunta llena de secretos, miedos y amor entre mundos distintos.
En el film, podemos ver como el gobernante y su guardia del "mundo" de Age, desconfían y se muestran hostiles con los invertidos, aún siendo humanos igual, temen lo desconocido y los reconocen como pecadores.
Se nos explica como se originó todo a través de un experimento que se hizo en la tierra y cambió el sentido de la gravedad y los pocos "invertidos" que sobrevivieron, tuvieron que vivir bajo tierra.
Pero, ¿Que gran secreto encontrarán Patema y Age con la ayuda de sus amigos? ¿Que es realmente el cielo? Que tienen en común Lagos y el padre de Age?
Y lo más importante, ¿Quien es el "invertido" realmente?
Hello, Dominguers! Es hora de ponerse el bombín y preparar el té, porque llega una nueva entrega de The British Corner.
Hoy vamos a descubrir el biopic de JOE ORTON, uno de los dramaturgos más polémicos del Reino Unido, de grandísimo éxito y cuya corta pero a la vez intensa carrera sólo se vió interrumpida por su desdichada muerte. Lo haremos mediante la película ÁBRETE DE OREJAS (en inglés, PRICK UP YOUR EARS).
Ábrete de orejas es una producción británica del año 1987, catalogada como drama biográfico y dirigida por Stephen Frears. El guión del film fue adaptado por Alan Bennett a partir de la biografía sobre Joe Orton Prick up your ears, escrita en 1978 por el periodista John Lahr. Así pues, en ella veremos parte de la vida del escritor.
Situémonos contextualmente con un poco de biografía: Joe Orton, cuyo nombre real era John Kingsley Orton, nació en la ciudad inglesa de Leicester en 1933. Desde temprana edad se sintió atraído por el mundo de la interpretación, así que en 1950 solicitó plaza (y fue aceptado) en la Royal Academy of Dramatic Art, cambiando a los 17 años sus apacibles East Midlands por el bullicioso Londres. Fue en ésta institución dónde en 1951 conocería a Kenneth Halliwell, un muchacho siete años mayor que él, y con el que se fue a vivir a una habitación de estudio. Halliwell, persona culta y formada, enseñó técnicas de escritura a un Orton que se veía abocado al fracaso. También le introdujo en el mundo de la homosexualidad, un terreno desconocido hasta entonces por Joe, abriéndole un nuevo abanico de sensaciones. Las vidas de Orton y Halliwell empezaron entonces a invertirse: el primero cada vez cosechaba más éxito, y el segundo empezaba un temprano declive físico y profesional. Corroído por los celos, Halliwell decidió poner fin a la vida de Orton en 1967 a base de martillazos mientras éste dormía, y después se suicidó con una sobredosis de barbitúricos.
Sí, sé lo que estaréis pensando: "ya nos ha contado el final, pedazo spoiler se ha marcado el colega". Pero no, porque precisamente la película empieza con la escena posterior al crimen de Orton, pues la trama se va moviendo todo el rato a través de varios flashbacks: el periodista John Lahr (interpretado por Wallace Shawn) contacta con Peggy Ramsay (interpretada por Vanessa Redgrave), que era la agente literaria y amiga de confianza de Joe Orton, para solicitarle los diarios personales del escritor, pues se rumorea que en él no se cortaba a la hora de relatar con pelos y señales su atribulada vida. En una especie de entrevista constante entre Lahr, Ramsay y la hermana de Joe, ambas mujeres van rememorando la vida del literato paso a paso desde su llegada a Londres.
Se nos presenta a un Joe Orton (interpretado por Gary Oldman) muy timorato, un polluelo que acaba de volar de su confortable nido, frente a un Kenneth Halliwell (interpretado por Alfred Molina) culto y sofisticado, ya muy curtido en el mundillo, y que quiere atraer al joven hacia su terreno. Le ayudará con su experiencia a abrirse paso en el mundo de la literatura hasta hacerle volar a lo más alto, cuando Orton empiece a ser un escritor de renombre en la sociedad londinense. Incluso está a punto de escribir un guión para una futura película de The Beatles, lo que le puede catapultar a lo más alto del estrellato. Pero todo se truncará cuando Halliwell empiece a perder el norte al ver la desenfrenada vida de su amante y, sobre todo, del cada vez más álgido éxito de Orton frente a su personal cuesta abajo sin frenos...
Hora y media dura éste film en el que descubriremos las alocadas vidas de Joe y Kenneth, un extraño matrimonio en el que ambos se apoyaban y odiaban a partes iguales. Si bien los protagonistas principales e indiscutibles son la pareja de escritores, la película tiene también un trasfondo que nos acerca al mundo homosexual del Londres de los años 60, en que los hombres acudían a los lavabos públicos con el fin de mantener encuentros y relaciones sexuales (no hay que olvidar que en aquella época ser homosexual en el Reino Unido era un delito penal castigado con cárcel). Como apunte de curiosidad comentar que el título original del film, "Prick up your ears" (como el libro de Lahr), es un juego de palabras de ésos que tanto nos gustan a los ingleses: "prick" es un argot que quiere decir "polla" y "ears" es un anagrama de "arse" (culo). ¿A que ahora sí encaja el título con la trama?
Hoy vengo un poco más de relax y algo tiernito, así que os voy a hablar de una peli de chinos que no va de cates y mantecaos, más bien todo lo contrario. Mi recomendación para hoy es un peazo de drama romántico editado en nuestro país hace bien poquito en DVD y BR por Cameo.
La peli en cuestión es Regreso a casa, una intensa y emotiva historia de la mano del director de grandes títulos como Hero, La casa de las dagas voladoras, La maldición de la flor dorada y la actual La gran muralla entre otros.
Todo comienza cuándo en plena revolución cultural china, un maestro es encarcelado dejando así solas a su mujer y a su hija, las cuales deben mantener un estilo de vida e ideales impuestos por el régimen para no acabar siendo presas políticas al igual que éste señor.
El hombre consigue escapar del campo de trabajo e intenta ver a su mujer y su hija, pero la cosa le sale mal y lo vuelven a enchironar.
Tiempo después acaba la revolución cultural y el cabeza de familia vuelve a casa para encontrarse con un hogar muy diferente al que había dejado atrás. Su hija no vive en casa y su mujer padece una amnesia severa que la impide reconocerle, sumiéndola en una eterna espera en la cuál día tras día acude a la estación de tren a la espera del regreso de su amado esposo.
Pero el maestro no se rinde, y dónde algunos verían en la amnesia un obstáculo insuperable, él ve la oportunidad de devolverle la memoria a su mujer a la vez que descubrir cuál ha sido el detonante de tal enfermedad en su mujer, haciéndose pasar por personajes de la vida cotidiana de su mujer tales como el médico, el vecino simpático o cualquier otro rol que le permita acercarse a ella y poder compartir unos minutos de conversación.
Totalitarismo, traición, ambición, amor y mucha ternura son algunos de los ingredientes que hacen de éste dramón chino de 2014 toda una lección, de historia, de cine y sobretodo de humanidad.
Ideal para ver con tu pareja y pasar un rato tiernito abrazados en el sofá junto a unos clinex.
¡Bañistas! Otro viernes más, os traemos lo más repulsivo de
cada casa. En ésta ocasión volamos hacia Canadá, cuna de algunos
de los mejores body horror de los últimos años. Black
Fawn Films, con el realizador Chad Archibald a la cabeza,
llevan años ofreciéndonos su personal visión del terror, siendo la
crudeza y la visceralidad dos de los componentes esenciales en su
catálogo, nutrido de títulos como Let Her Out,
Antisocial o Bed of the Dead. Pero si hay
uno de sus títulos que ha obtenido cierta repercusión a nivel
mundial, esa es la película que nos ocupa: la desagradable y
nauseabunda (en el buen sentido, vaya) Bite.
El film nos cuenta la historia de Casey, una chica a punto
celebrar su despedida de soltera con un viaje junto a sus amigas a un
lugar paradisíaco, donde sufrirá una aparentemente inofensiva
picadura de un insecto. Tras volver a casa, entre la ansiedad por los
preparativos de su boda, se dará cuenta de que la picadura comienza
a tener muy mala pinta. Dudas, miedos… un torbellino de
sentimientos se despertará dentro de Casey a la par que su cuerpo
comienza a sufrir cambios notables. Poco a poco, su comportamiento
comenzará a mostrar rasgos propios de ciertos insectos, convirtiendo
su casa en una sucia y purulenta colmena en la que sus huevos se
alimentan de carne humana.
Hay dos aspectos altamente destacables en Bite: la
actuación de Elma Begovic y el tremendo trabajo de maquillaje
y FX que hace que uno pueda hasta sentir los nauseabundos olores
de la pobre Casey y su colmena/apartamento. Chad
Archibald es uno de los directores canadienses a tener más en
cuenta, creador de títulos simples pero efectivos que sirven como
homenaje al cine con el que ha/hemos crecido. En este caso es
innegable el homenaje a Cronnenberg, dando gran peso al componente
dramático de la historia y remitiéndonos a menudo a la enorme La
Mosca pero en versión femenina.
Un título destacable por su atención
al detalle, que sin duda hará pasar un buen rato a los amantes del
body horror.
Recordad, dominguers, que comer piel humana es bueno para
la circulación, pone el cutis más terso y proporciona vigor sexual.
¡Salgan a la calle! ¡Despellejen al prójimo!
Gomorra es una película italiana dirigida por Matteo Garrone y basada en la novela homónima de Roberto Saviano quien además colaboró en la elaboración del guión.
Esta película pretende ser un retrato, con aires de documental, de la mafia napolitana. La historia que tiene un hilo argumental múltiple está dividida en cinco historias que a pesar de centrarse en distintos personajes se encuentran ligeramente conectadas entre ellas. Esta multiplicidad de historias se caracteriza más por personajes atraídos por el encanto de la Gomorra que por la propia Gomorra. Las historias van desde un adolescente recién mayor de edad que desea ser identificado con la mafia a un nuevo graduado universitario que busca una vocación prometedora. A través de diferentes niveles de perspectivas, de la violencia a la diplomacia, Gomorra aturde mientras que muestra el control casi totalitario de la organización sobre sur de Italia. Crea la impresión de un país pudriéndose de adentro hacia afuera.
Marco Spoletini define claramente el equilibrio entre el caos y la narración. Los primeros 40 minutos no son un buen augurio para los espectadores que buscan una diversión fácil, ya que incita a la confusión creando la ilusión de que la película comenzó a medio camino. Sin embargo, las historias surgen, y de ahí en adelante, la película establece su estilo.
Cinematográficamente también es maravillosa. Marco Onorato pinta Italia con un conjunto aburrido de colores, que se parece más a la promoción de una ONG del tercer mundo que a un folleto de viaje de luna de miel. Incluso los rojos y azules brillantes de Venecia están silenciados con gris y marrón con un toque de sobreexposición. El efecto global agrega un punto vital a la película, ya que le da una sensación de vacío y absolutamente anula cualquier sentimiento de esperanza que pudiese surgir en el espectador.
La película intenta borrar la línea que separa película dramática y documental con resultados impresionantes. Los detalles están cuidados al milímetro: el dialecto está perfectamente plasmado en los diálogos y las localizaciones e imágenes de los disparos parecen extraídas de un noticiario
Con los valores de la producción a niveles estratosféricos, la intención general de la película es transparente: absolutamente ninguna empatía está permitida, lo cual permite (valga la redundancia) al público empaparse en la atmósfera cambiante y simplemente coexistir con los protagonistas claramente sobrepasados por las circunstancias.
