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miércoles, 17 de mayo de 2017

La Biblioteca de Margot: Drugstore Cowboy

¡Muy buenas dominguers!

Esta semana os traigo Drugstore Cowboy, una adaptación de Gus Van Sant de la novela autobiográfica de James Fogle, un asaltante de farmacias drogadicto.

La película narra la historia de Bob Hughes, su novia Diane y otra pareja, Rick y Nadine. Todos conforman una banda organizada en la década de los 70 que asalta farmacias a lo largo del país para saciar su adicción. El film llega a punto de inflexión cuando Bob decide rehabilitarse y reconducir su vida, no con mucha facilidad.

La sensación de estar en los inicios de los años 70 estadounidenses se recrea a la perfección gracias al maravilloso equipo de vestuario, las localizaciones decadentes y un guión infalible. Además la banda sonora desenfadada y con tintes de jazz ofrece ritmo a la película cuando esta amenaza con atascarse.


Drugstore Cowboy hace un retrato de la subcultura de la droga y el crimen sin glamurizar, sensacionalizar o demonizar. Honestamente, cuesta pensar en otra película sobre un tema similar que haya logrado plasmar este equilibrio con tanto éxito.

Es inevitable preocuparse por los personajes pero al mismo tiempo se es plenamente consciente de sus muchos defectos. Se nos muestra que las drogas son placenteras, pero con una representación realista del gran daño que pueden causar. Las escenas de acción son espectaculares y emocionantes pero nunca perdemos de vista el patetismo realista que las acompaña.

Drugstore Cowboy puede carecer del cariz visceral de una película como Trainspotting pero tiene la sutileza y la profundidad de la que carecen otros films más voyeurísticos con el uso de las drogas.

Aquí os dejamos con el trailer como siempre:



Margot

miércoles, 3 de mayo de 2017

La Biblioteca de Margot: Gomorra

¡Muy buenas dominguers!

Gomorra es una película italiana dirigida por Matteo Garrone y basada en la novela homónima de Roberto Saviano quien además colaboró en la elaboración del guión.

Esta película pretende ser un retrato, con aires de documental, de la mafia napolitana. La historia que tiene un hilo argumental múltiple está dividida en cinco historias que a pesar de centrarse en distintos personajes se encuentran ligeramente conectadas entre ellas. Esta multiplicidad de historias se caracteriza más por personajes atraídos por el encanto de la Gomorra que por la propia Gomorra. Las historias van desde un adolescente recién mayor de edad que desea ser identificado con la mafia a un nuevo graduado universitario que busca una vocación prometedora. A través de diferentes niveles de perspectivas, de la violencia a la diplomacia, Gomorra aturde mientras que muestra el control casi totalitario de la organización sobre sur de Italia. Crea la impresión de un país pudriéndose de adentro hacia afuera. 

Marco Spoletini define claramente el equilibrio entre el caos y la narración. Los primeros 40 minutos no son un buen augurio para los espectadores que buscan una diversión fácil, ya que incita a la confusión creando la ilusión de que la película comenzó a medio camino. Sin embargo, las historias surgen, y de ahí en adelante, la película establece su estilo.

Cinematográficamente también es maravillosa. Marco Onorato pinta Italia con un conjunto aburrido de colores, que se parece más a la promoción de una ONG del tercer mundo que a un folleto de viaje de luna de miel. Incluso los rojos y azules brillantes de Venecia están silenciados con gris y marrón con un toque de sobreexposición. El efecto global agrega un punto vital a la película, ya que le da una sensación de vacío y absolutamente anula cualquier sentimiento de esperanza que pudiese surgir en el espectador.




La película intenta borrar la línea que separa película dramática y documental con resultados impresionantes. Los detalles están cuidados al milímetro: el dialecto está perfectamente plasmado en los diálogos y las localizaciones e imágenes de los disparos parecen extraídas de un noticiario

Con los valores de la producción a niveles estratosféricos, la intención general de la película es transparente: absolutamente ninguna empatía está permitida, lo cual permite (valga la redundancia) al público empaparse en la atmósfera cambiante y simplemente coexistir con los protagonistas claramente sobrepasados por las circunstancias. 

Os dejamos como siempre con el trailer:


Margot

miércoles, 19 de abril de 2017

La Biblioteca de Margot: Art School Confidential

¡Muy buenas dominguers!


Esta vez os traigo una comedia negra del 2006 dirigida por Terry Zwigoff y basada en el cómic homónimo escrito por Daniel Glowes, con el que ya colaboró anteriormente realizando la adaptación de su otra novela gráfica Ghost World.

La historia cuenta la vida de Jerome Platz, un joven artista de mucho talento que decide apuntarse en una modesta escuela de arte, la Strathmore Institute. Jerome tiene grandes aspiraciones e intenta impresionar a la chica que le gusta con sus facultades pero una vez allí debe enfrentarse a los favoritismos, la pedantería y unos valores artísticos que nada tienen que ver con sus obras. A pesar de ser una comedia con mucha sátira, la película es una continua reflexión sobre la concepción artística y la figura del artista en el mundo contemporáneo. Además Zwigoff deja que las bromas se amplifiquen y el ingenio fluya con su despliegue de desagradables estudiantes y artistas oficiosos que son demasiado reales para ser caricaturizados con la pomposidad de la grandeza y los que la adoran, incluyendo al profesor Sandiford (John Malkovich). 


A lo largo de la película seguimos el constante descenso psicológico a los infiernos de Jerome. Comienza como un chico feliz y ansioso con sueños y poco a poco evoluciona en un descorazonado, deprimido y suicida fracasado. Esto sucede porque su arte no es apreciado en absoluto, porque se da cuenta de lo arbitrario y tediosamente enervante que el mundo del arte en realidad es, y porque su musa y obsesión no le presta ninguna atención frente a artistas mediocres. 

En definitiva, un film entretenido y divertido que además de contar con un buen reparto y una ambientación más que notable invita a la reflexión y la crítica. Especialmente recomendada para artistas frustrados de cualquier ámbito y para gente desencantada con el mundo en general. Bienvenidos seáis nihilistas.

Os dejamos como siempre con el trailer:


Margot

miércoles, 5 de abril de 2017

La Biblioteca de Margot: Filth

¡Muy buenas dominguers!

En esta edición de La Biblioteca os traigo una adaptación de la novela homónima de Irvine Welsh, más conocido por ser el autor de Trainspotting. Esta película escocesa está dirigida por Jon S. Baird y protagonizada por James McAvoy y gira en torno al empeño de un policía corrupto de Edimburgo por conseguir un ascenso a toda cosa para recuperar a su ex-mujer.

El título me parece bastante acertado, ya que Filth es todo lo bruta, sucia e inmunda que puede ser. Olvidad al policía arquetipo modelo del cine, Bruce Robertson es malhablado, drogadicto, machista, sucio, misántropo, adicto al sexo y altamente corruptible en una Escocia podrida y sórdida. Sin duda alguna, la película resulta un vehículo perfecto de lucimiento para un James McAvoy desinhibido; encargado de dar vida al protagonista absoluto de la función, en una gran elección de casting. McAvoy consigue que su personaje resulte desagradable, incluso que lo odiemos; pero al mismo tiempo consigue que sintamos lastima por él, llegando a guardar cierta simpatía pese a todas las aberrantes acciones que le hemos visto cometer durante todo el metraje. El protagonista se encuentra en todo el momento arropado por una genial corte de secundarios, en el que destacaría Eddie Marsan, bordando el que seguramente sea el personaje más inocente de la obra, lo que le convierte en una de las presas predilectas de Bruce Robertson.


Es una obra que va in crescendo. Empieza presentando el personaje, sus motivaciones y sus múltiples defectos, para poco a poco ir profundizando en todos ellos, haciendo que el espectador pueda conocer poco a poco el pasado del protagonista, revelando así la respuesta a los interrogantes acerca de su comportamiento presente. Lo que en un principio parecía una simple comedia zafia acerca de un personaje abominable, resulta esconder bajo su piel un amargo drama que irá enseñando los dientes poco a poco. Si el principio era prometedor, los compases finales del metraje llegan a ser apoteósicos, a los cuales se les ha añadido unos curiosos créditos de despedida que no tienen desperdicio.

En definitiva, una película llena de excesos y alucinaciones que esconde un drama humano cargado de arrepentimiento. Como siempre os dejo con el trailer a continuación, aunque debo decir que esta vez recomiendo pasar de él para no llevarse una idea equivocada de la película:


Margot


miércoles, 22 de marzo de 2017

La Biblioteca de Margot: En la niebla (2012)

¡Muy buenas dominguers!


Esta película de 2012 bielorrusa dirigida por Sergei Loznitsa es una adaptación de la novela homónima de Vasil Bykau y fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes el mismo año.

La narración se sitúa en 1942 en el territorio bielorruso (aún URSS) ocupado por el ejército alemán, momento en que los alemanes se enfrentaban a una fuerte resistencia de los partisanos y la población local. Los partisanos sospechan que Sushenya, el protagonista, colabora con los nazis y deciden capturarlo y llevarlo al bosque para dispararle como a un traidor. Entonces caen en una trampa alemana y Sushenya decide cargar a cuestas con uno de sus captores partisanos para salvarlo. Se trata de una historia que cabalga entre lo bélico y lo ético y pone en cuestión el sentido de la guerra y las decisiones que una persona se ve obligada a tomar debido a las circunstancias límite. La historia no es tanto las consecuencias de esas decisiones que determinan el destino de los personajes, sino los eventos inesperados que se desarrollan como resultado de esas decisiones.

De hecho, la película es un relato de su "via crucis". De inmediato recuerda al príncipe Myshkin en El Idiota de Dostoievski (Sushenya constantemente es llamado idiota), pero más pertinente es el recuerdo del burro Balthasar en Au Hasard Balthasar de Bresson. Balthasar es el testigo inteligente pero mudo de los sufrimientos de la humanidad que lo rodea, y también una víctima. De hecho, la insistencia de Sushenya en tratar de llevar al herido Burov a sus espaldas hace de él, como Balthasar, una bestia de carga.


Técnicamente es una película impecable, el uso del sonido es vital ante la ausencia de música y los largos planos y la falta de diálogos recuerdan mucho al cine de Andrei Tarkosky. Además, hay un continuo uso de flashbacks que van construyendo a los personajes a medida que avanza la película.

En una situación en la que no hacer nada es colusión, donde ser salvado de la muerte se ve como la colaboración con el enemigo, donde la traición y la sospecha son más fuertes que la lealtad y la solidaridad, no hay espacio para la virtud. Esta sombría visión del mundo se hace eco de la oscuridad de My Joy, pero en esta película, la cinematografía de Oleg Mutu es brillante y aguda, luminosa. Hermosos bosques rodean a los personajes pecadores; La ironía del bello mundo en el que la fealdad humana ocupa un lugar central.

Os dejamos con el trailer:


Margot

miércoles, 8 de marzo de 2017

La Biblioteca de Margot: Alianza entre cine y literatura fantástica gracias al Festival de Sitges

¡Muy buenas dominguers!


En esta ocasión no os traigo ninguna reseña sino que vengo con una noticia de mucho interés para esta sección tan literaria. Y es que resulta que la Federación de Gremios de Editores de España (FGEE) y el Festival de Cinema Fantàstic de Catalunya han acordado colaborar para que artistas del medio audiovisual estudien la posibilidad de adaptar obras de literatura fantástica al cine.


Bajo el nombre de Taboo’ks esta iniciativa tiene como objetivo generar oportunidades a ambos sectores artísticos y potenciar Sitges ya no solo como plataforma de la industria audiovisual sino también como plataforma de otras industrias paralelas como la literatura. Además con motivo del 50 aniversario del Festival, esta edición contará con un programa especial bastante enfocado al marco literario. Dentro de este programa se contará con la clase magistral de una personalidad del cine y la literatura y con el homenaje a la clásica adaptación al celuloide de Coppola del Drácula de Bram Stoker.

Según el presidente de la Federación de Gremios de Editores de España, Daniel Fernández, “existe una clara vinculación entre el mundo editorial y el mundo audiovisual. Todos tenemos en mente muchas grandes películas o series de televisión que han adaptado obras literarias. Abrir una vía de colaboración con un festival internacional de la importancia del de Sitges nos ofrece nuevas oportunidades de negocio para las editoriales y un punto de encuentro para ambos sectores culturales”. Este hecho puede abrir un camino importante hacia la potenciación de dos sectores que siempre han estado tan estrechamente vinculados desde el nacimiento del cine y que puede suponer ya no solo la creación de grandes películas sino el acercamiento y reconocimiento de grandes obras literarias al público.


Margot

miércoles, 22 de febrero de 2017

La Biblioteca de Margot: The Invisible Man (1933)

¡Muy buenas dominguers!

Esta semana en La Biblioteca os traigo un clásico de la historia del cine dirigido por James Whale (Frankenstein, Bride of Frankenstein), adaptación de la novela del escritor de ciencia ficción H.G. Wells.

El científico Griffin desaparece de su laboratorio después de un experimento, dejando a sus colegas Kemp y Cranley preguntándose dónde ha ido. Mientras tanto, un hombre extraño llega a una posada, cubierto de vendas, sombrero y abrigo largo y actuando de forma extraña. Después de ser denunciado como “invisible” a la policía, Griffin regresa a ver a Kemp y sufre atisbos de locura. Con sus amigos tratando de ayudarlo y la policía tratando de atraparlo, la incapacidad de Griffin para encontrar una cura continúa haciendo merma en su cordura, lo que lo conduce a un frenesí.                                         

Esta versión del Hombre Invisible tiene como puntos fuertes la magistral dirección de Whale, la creatividad y la excelencia técnica y cuenta con unos efectos especiales sorprendentemente buenos teniendo en cuenta que se trata de una película de los años 30.


En cuanto al reparto, para alguien que solo tiene unos segundos de tiempo real en pantalla Claude Rains es increíble. Su voz genera tanta presencia que a veces resulta fácil olvidar que no está allí. La actuación de Una O’Connor por otra parte es más o menos correcta.

La película ha sido clasificada como terror pero en realidad contiene muchas más escenas de humor que de horror en sí. La policía, los transeúntes asustados e incluso los mismos Claude Rains y O’Connor componen la diversión que propone The Invisible Man a lo largo de todo el metraje sin caer en la comedia fácil.


Más allá de los efectos especiales, la película es maravillosa desde un punto de vista técnico. La iluminación, la cinematografía y el diseño de set son increíbles y algunos de los mejores de su época. Es de destacar el uso de Whale de su cámara como parte de la acción cuando muchos de sus contemporáneos no salían de la planificación de planos y la cámara fija.

Una mezcla genial de emociones y comedia, que rodea una historia de ciencia ficción de interés constante. En definitiva todo un clásico que nunca decepciona.


Por último, os dejo con el trailer:


Margot

miércoles, 8 de febrero de 2017

La Biblioteca de Margot: Never let me go

¡Muy buenas dominguers!


En esta entrada de la Biblioteca os traigo una adaptación de una novela japonesa escrita por Kazuo Ishiguro llamada Never let me go. La película, producida en UK, es un drama distópico de ciencia ficción.

El film narra la historia de Kathy, Tommy y Ruth tres niños del internado Hailsham que descubren que han sido criados junto a todos sus compañeros para ser donantes de órganos una vez llegados a la edad adulta. A medida que crecen, Tommy y Ruth inician una relación sentimental con la esperanza de que un amor demostrable les exima de su deber como donantes y Kathy, la cual está enamorada de Tommy, se irá distanciando de ellos y terminará trabajando como cuidadora de donantes para alargar sus años de vida.                                                                                                                      

En Never let me go, Romanek nos muestra una realidad histórica alternativa donde la ciencia y la medicina han evolucionado pasada la II Guerra y Mundial y donde la moralidad ha quedado sepultada pero el instinto natural de supervivencia.


La falta de privilegios de estos niños se deslumbra rápidamente por los interiores apagados, las habitaciones de la residencia escasas e incoloras y los escritorios de clase usados ​​y agrietados. Incluso los visitantes se estremecen visiblemente al entrar en la institución pero para los niños, por supuesto, todo esto pasa desapercibido. Nos llevan a asumir que no han experimentado nada más puesto que Hailsham solo es un conducto. Un conducto donde Madame (una de las responsables del centro) lucha por demostrar que son seres con conciencia y no simple mercancía como cree la sociedad.

Mark Romanek, más conocido por su trabajo en vídeos musicales, ha conseguido que el aura de esta película sea fría y triste a la par que reflexiva. La belleza de este largometraje reside en su paleta de colores, que deja fuera todos los colores primarios. De hecho Romanek dijo en varias entrevistas que se inspiró en el cromatismo de la británica y maravillosa If... (1968) para el rodaje de la película.

Por último aquí tenéis el trailer:


Margot

miércoles, 25 de enero de 2017

La Biblioteca de Margot: Pride and Prejudice and Zombies

¡Muy buenas dominguers!

En esta entrada os traigo una película del pasado año bastante difícil de catalogar. Esta adaptación indirecta* de Orgullo y Prejuicio de Jane Auster es bastante fiel a la obra original pero, además, es una película de zombies. Es así pues, tan pronto estamos sumergidos en un drama romántico como vemos a un no muerto saliendo a escena a hacer sus cosas de no muerto.                                                                    

La trama gira entorno a cinco hermanas en la Inglaterra del siglo XIX que deben solventar las grandes presiones que les imponen para casarse a la vez que hacer frente a una horda de zombies que se propaga. Elisabeth, la protagonista, y sus hermanas desarrollan diferentes estilos de artes marciales para sobrevivir al apocalipsis que ponen en práctica a lo largo del metraje mientras lidian con sus líos amorosos. Y por muy paródica que parezca no termina de ser una comedia, de verdad.


El maquillaje y los efectos de los zombies son mucho mejores de lo que cabría esperar y la atmósfera mantiene una buena mezcla entre la estética y ambientación del siglo XIX y los elementos de tensión apocalíptica. 

Seamos realistas, una película de zombies de Jane Austen no es para todo el mundo. Pero si estáis dispuestos a tener la mente abierta y disfrutar de una actuación notable, comedia y romance, es estupenda. Los combates con espada son emocionantes, las peleas de las chicas emocionantes y las escenas de amor son más o menos creíbles. Lástima que para ser una película de zombies no haya más casquería y sangre, probablemente ese sea su punto más débil. Por cierto, aseguraos de permanecer viéndola hasta después de los créditos de cierre, la broma final es la mejor.

Os dejo, esta vez sí, con el trailer:


*indirecta porque realmente está basada en una novela homónima escrita por Seth Grahame-Smith que es una adaptación de la obra original de Austen, algo así como una metadaptación.

Margot

miércoles, 11 de enero de 2017

La Biblioteca de Margot: Notes from Underground

¡Muy buenas dominguers!


Hoy os traigo una adaptación de 1997 dirigida por Gary Walkow inspirada en la novela de Fiódor Dostoievski Reflexiones desde el sótano.

La película narra la historia de un hombre de mediana edad cansado de su mísera y monótona vida que se dedica a hacer confesiones en vídeo desde su sótano como forma de autoredimirse de ellas. Se trata de una comedia llena de humor negro, nihilismo y sarcasmo que pretende presentarse como una crítica feroz a la hipocresía de la estabilidad del hombre moderno.

Su protagonista es autodestructor y neurótico y se empeña por estropear cualquier atisbo de oportunidad para mejorar su vida, siempre, eso sí, desde una posición de superioridad intelectual. No puede comprender ninguna acción motivada por las emociones y justifica con lógica cualquiera de sus malas decisiones. En la película vemos a este hombre subterráneo fantasear con convertirse en la persona fuerte, deseable y recta que desea ser pero termina por criticar estas construcciones como cadenas que desprecia. Es la irreductibilidad de este ciclo lo que le hace sentirse avergonzado de su condición de desamparo.

La actuación es sorprendentemente buena y la fotografía claustrofóbica se adapta muy bien al pequeño submundo de sus personajes. Adaptar una novela cuya toda estructura es un monólogo no es tarea fácil pero Walkow logra combinar la voz directa al espectador, la acción y una historia más contemporánea sin perder la esencia de la obra original.

Esta vez no hay trailer porque no he logrado encontrarlo pero en caso de que lo consiga os lo añadiré por aquí.


Margot

miércoles, 28 de diciembre de 2016

La Biblioteca de Margot: A Christmas Carol (1971)

¡Ho-ho-ho cinedominguers!

Hoy con motivo de las fiestas navideñas os traigo una minireview de un cortometraje que para mí es la mejor adaptación de la novela de Dickens.


Este corto animado dirigido por Richard Williams es la única adaptación del cuento navideño que ha recibido un Oscar (mejor cortometraje de animación). La animación del mismo corrió a cargo del talentoso Ken Harris, conocido por trabajar para Warner, y dos de las voces de los personajes (Alastrain Sim y Michael Hordem) son los actores originales de la adaptación de 1951.

El argumento, basado por completo en la obra original, narra la Nochebuena del avaro y malhumorado Ebenezer Scrooge en que recibe la visita de tres espíritus que le enseñan cuál es el verdadero sentido de la navidad y la bondad humana. Dichos espíritus por orden de aparición son: el fantasma de las Navidades Pasadas, el fantasma de las Navidades Presentes y el fantasma de las Navidades Futuras.

Esta vez no hay vídeo del tráiler sino que os comparto el corto entero subtitulado para que lo veáis en familia o solos con la mantita. ¡Felices fiestas a todos!




Margot

miércoles, 14 de diciembre de 2016

La Biblioteca de Margot: La pianiste

¡Muy buenas dominguers!

La pianiste (La pianista en su título en castellano) es una película francesa de 2001 dirigida por Michael Haneke y protagonizada por Isabelle Huppert. Este film está basado en la novela homónima que publicó la austriaca Elfriede Jelinek en 1983.


La historia se centra en Erika Kohut una profesora de piano que da clases en un conservatorio y pese a ser una mujer de mediana edad vive bajo la influencia y la cautividad de una madre autoritaria. Así pues, Erika canaliza su frustración a través de todo tipo de parafilias y fantasías sexuales como sublimación de su libertad reprimida. Tras escucharla tocar, el joven alumno prodigio Walter Klemmer muestra interés por ella y a partir de entonces inician una relación románticosexual convulsa pero consensuada marcada por la dominación-sumisión, la humillación y el sadomasoquismo.



La degradación de Erika parece progresiva desde que se produce el desligamiento de las ataduras de su coraza protectora, pero en realidad surge a borbotones como un torrencial que lo va arrastando todo a su paso. Allí, con solo expresiones mínimas de su rostro, Isabelle Huppert nos da una clase magistral ya no de piano, sino de actuación sobrenatural. Entra en el juego y coquetea con el estilo de un director que muy hábilmente se dedica preponderantemente a la dirección de actores.

La pianista es un film que despierta incomodidad a la par que deseo, que resulta atractivo, duro, exigente e inquietante. Una controvertida adaptación que nos muestra una morbosa faceta de la naturaleza humana que a menudo queda oculta bajo el antifaz de las apariencias.


Como siempre os dejo con el trailer: 



Margot

miércoles, 30 de noviembre de 2016

La Biblioteca de Margot: Carnage (Un Dios Salvaje)

¡Buenas de nuevo dominguers!

Carnage es una comedia negra dirigida por Roman Polanski inspirada en la obra teatral de Yasmina Reza Le dieu du carnage. La película narra la historia de dos parejas cuyos hijos han tenido una pelea en el parque. Los padres de la “víctima” (Jodie Foster y John C. Reilly) invitan a los padres del “atacante” (Kate Winslet y Christoph Waltz) para discutir sobre el altercado y tratar de llegar a un consenso.


Con un espacio cerrado como único escenario Polanski presenta el cinismo, la falsa moral y las apariencias como características inherentes del ser humano acompañadas de un apetito destructivo que pretende devorar al prójimo. De hecho ahí radica la potencia dramática del guión, en mostrar el comportamiento humano a expensas de la mera formalidad. La acción conduce a los personajes al límite impidiendo que abandonen el oasis de sinceridad primitiva que hallan en ese piso de Nueva York.

La distribución espacial ya mencionada, el habilidoso cálculo de tiempos y las formas de montaje que huyen del simple plano/contraplano conforman una especie de sitcom con dinamismo que lejos de caer en la risa enlatada juega con un humor mucho más ácido, ascendente y mordaz.
Polanski capta con mucho acierto la naturaleza de los personajes y muestra como la frustración y la histeria a menudo son amenazas latentes y que las buenas costumbres desaparecen cuando se da paso a la carnicería dialéctica. Una carnicería muy divertida, todo sea dicho.

Aquí como siempre el tráiler:



Margot

miércoles, 2 de noviembre de 2016

La Biblioteca de Margot: Solaris

¡Muy buenas dominguers!

No, no vengo hoy a hablar de George Clooney (Solaris, 2002) ni de telefilmes soviéticos (Solaris, 1968) sino que os traigo una adaptación de alto voltaje. Soy desde que me topé hace años con un link de youtube con subtítulos en español latino de Stalker una ferviente enamorada de Andréi Tarkovsky. Me gustan sus planos, su estética, su don del montaje de escena, sus metáforas, su claustrofobia y pesimismo distópico. No es casual que el gran Bergman fuese su alumno, ni que haya servido de precedente para muchos de sus contemporáneos. Es por eso que Solaris puede ser considerada una de las mejores adaptaciones de obras de ciencia ficción de todos los tiempos, sin exagerar.

Basada en la novela homónima del polaco Stanislaw Lem, narra la historia de Kris Kelvin un psicólogo que es enviado a una estación espacial en un planeta remoto con el fin de investigar un asesinato y descubrir qué hizo enloquecer a la tripulación.


Antes que nada cabe advertir de que se trata de una película larga, a menudo densa y muy rusa (con todo lo que eso conlleva) pero si se está dispuesto a asumir el riesgo y dejarse llevar por esta masterpiece aquí van las cuestiones que trata.

Existen dos realidades fundamentales que conducen el desarrollo de la película: la primera es la incapacidad e insuficiencia del ser humano para comprender el Universo; la segunda, que no inferior a la anterior, es la impotencia del ser humano ante el hecho de no poder comprender sus propias emociones y pensamiento.

Tarkovsky transporta por ejemplo, mediante imágenes visualmente muy potentes, al espectador dentro de las luchas internas que su protagonista sufre por su esposa (y que para evitar spoilers no desvelaré). Dichas luchas comprenden cuestiones que obligan a replantearse la verdadera naturaleza de aquello que se da por sentado como cierto.

Probablemente si al igual que a Andréi 2001: Space Odissey (Stanley Kubrick, 1968) te pareció una película fría y distante, Solaris te aporte esa explosión emocional, humana y melancólica que andabas buscando. Si te consideras fan de la ciencia ficción o un cinéfilo más te harás cruces de que a día de hoy todavía sea una gran desconocida por el gran público.

Aquí el trailer:


Margot

miércoles, 19 de octubre de 2016

La Biblioteca de Margot: The Dead Zone

¡Muy buenas dominguers!

Después de una semanita en el Festival de Sitges toca volver a la carga con La Biblioteca de Margot. Esta vez tenemos otra adaptación del aclamado "rey" de la literatura de terror Stephen King dirigida por uno de los titanes del cine de género David Cronenberg. No es otra que: The Dead Zone (La Zona Muerta).

The Dead Zone narra la historia de Johnny (Christopher Walken) un joven que despierta de un coma cinco años después del accidente de tráfico que lo condujo a él. A partir de entonces descubre que su novia está con otro, ha perdido su trabajo y se encuentra parcialmente inmóvil. Pero también descubre que ha adquirido un don que le permite conocer los hechos pasados y futuros de una persona con solo tocarla. Para demostrar su credibilidad Johnny colabora con su poder en una investigación de la policía sobre unos asesinatos en Castle Rock que lo conduce a un entramado mucho más complejo.



Cabe destacar la evolución de su protagonista que se ve expuesto a un gran sacrificio personal por su don y requiere de un autocontrol para poder enfrentarse a dilemas morales. Cronenberg nos transmite que a veces las virtudes son las mayores condenas y que estas nos afectan irónicamente tanto a nosotros como a los que nos rodean. John en su vida anterior era feliz, tenía todo lo que necesitaba, y cuando despierta se siente abatido y devastado por las circunstancias.

Al igual que en Videodrome, el antagonista, que en este caso está interpretado por Martin Sheen, posee un aura de veneración de las masas. Y para combatirlo es vital el papel activo de John y sus visiones, el cual deberá sacrificarse incluso por los que tanto le han criticado. 

Walken interpreta muy acertadamente a ese hombre solitario y sufrido, aportando muchos matices a su transformación. También cabe hacer mención especial a la sensacional banda sonora de Michael Kamen que ambienta la película con una fuerza lúgubre excepcional.

Por último, se ha criticado una barbaridad esta película por parte de los lectores de la obra acusándola de no ser fiel y dejarse mucha investigación policial en el tintero. A decir verdad, King ha declarado muchas veces que esta siempre ha sido una de sus adaptaciones preferidas y de las más fidedignas. Es vital tener presente que los soportes físicos y narrativos de un libro y una película son distintos y por ello responden a diferentes reglas de juego. Por tanto, difícilmente una película filmada plano a plano como la obra en la que se inspira será jamás un buen film.

Aquí el trailer:




Margot

miércoles, 5 de octubre de 2016

La Biblioteca de Margot: Holding The Man

¡Muy Buenas Cinedominguers!

En esta edición de La Biblioteca de Margot os traigo un dramón de categoría, que no se diga que en Cine Domingo no lloramos y solo recomendamos violencia y vísceras. Holding The Man además está basado en una historia real, y es que se trata de la adaptación de las memorias de uno de sus dos protagonistas Timothy Conigrave. A esta novela publicada póstumamente se le otorgó el premio de Derechos Humanos de las Naciones Unidas.

En la Australia de 1976 Tim y John compañeros en un colegio masculino se enamoran. Juntos deben afrontar la homofobia inherente en sus familias y la sociedad. A medida que pasan los años van superando baches como separaciones, celos e infidelidades pero la enfermedad llega a sus vidas y todo se complica hasta el punto que las memorias de Tim terminan en 1994.



Holding The Man es una película fresca y con un desarrollo rápido de los acontecimientos llena de amor, sexo y reivindicaciones. Muestra una visión nada paternalista de lo que fueron los primeros movimientos homosexuales y todos los frentes que tuvieron que superar para dejar de ser discriminados y repudiados. Además, sin ánimo de hacer spoiler, me parece muy interesante que se hable abiertamente de un tema como es el VIH y muestre por un lado cómo es el día a día conviviendo con la enfermedad y cómo eso afecta a una relación de pareja y por otro cómo los seropositivos eran (y son) condenados a la marginalidad, especialmente en el ámbito gay.

Carece apenas de largos diálogos y el ritmo narrativo como he comentado es algo frenético pero las actuaciones de Ryan Corr y Craig Stott son creíbles y apasionadas, en especial la de Corr que encarna a Tim, un joven gay actor que necesita liberarse tanto de la sociedad como de sí mismo pero a pesar de todo es incapaz de olvidar su primer amor.

En conclusión, una historia de amor dulce, llena de experiencias y alejada del concepto de posesión romántica habitual en esta clase de cine. Si ya es duro superar las diferencias y la distancia en una relación sentimental, estos dos chicos además tuvieron que hacer frente a dos problemáticas muchos peores: la homofobia y la muerte.

El tráiler como siempre a vuestra disposición:


Margot

miércoles, 21 de septiembre de 2016

La Biblioteca de Margot: A Scanner Darkly

A Scanner Darkly o Una mirada a la oscuridad (Richard Linklater, 2006) es una película atípica. Un metraje de imágenes reales redibujadas en animación mediante la técnica del rotoscopiado que otorgan a este film una estética de novela gráfica muy propia de los videojuegos actuales.


Se trata de una adaptación de la novela homónima del mito de la ciencia ficción Philip K. Dick que narra la historia distópica de Fred (Keanu Reeves) un agente encubierto del condado de Orange (California) que está intentando desmantelar una red de tráfico de nárcoticos. Fred se camufla con un monotraje mezclador que distorsiona la percepción física que todos los demás ven de sí el que está grabado no solo es de gran belleza estética sino que sirve de soporte para encaminarnos hacia un gran delirio visual. Es difícil en ciertas escenas discernir entre realidad y oniria y Linklater sabe manejar bien este aspecto, tanto que en ocasiones resultan más coherentes con sus razonamientos los personajes más drogados.



Es el retrato distópico de una sociedad corrupta, alienada  e inmovilista que se muestra impasible ante las problemáticas  e intenta encubrir los problemas y alimentarse de ellos.  El protagonista debe tomar partido y eso lo obliga a poseer una doble personalidad que a menudo resulta confusa y diluida.

Es importante aclarar que la película está cargada de largos diálogos pseudofilosóficos, no cabe esperar una acción intrépida. Además de un aura muy decadente y pesimista que refleja mucho el dolor autobiográfico de Dick. 

Por último, el elenco de actores es magnífico: Keanu Reeves, Winona Ryder (magnífica como siempre), Robert Downey Jr., Woody Harrelson y Rory Cochrane. ¿Se puede pedir más?

El tráiler a vuestra disposición:



Margot








miércoles, 7 de septiembre de 2016

La Biblioteca de Margot: The Girl Next Door


¡Muy buenas a todos de nuevo a la Biblioteca de Margot!

Esta semana os traigo una adaptación cuyo libro está basado en una historia real. Y antes de nada, quiero advertir que si eres una persona sensible esta película no es para ti así que te invito a que pases mejor a alguna de las interesantísimas recomendaciones de mis compañeros.

The Girl Next Door (O La chica de al lado en castellano) está inspirada en la obra de Jack Ketchum donde relató los sucesos, de forma narrativamente reinterpretada, que condujeron a la niña Sylvia Lekins a su trágica muerte.

Meg (Blythe Auffarth) y su hermana Susan, que tiene las piernas atrofiadas a causa de un accidente, (Madeline Taylor) son acogidas por Ruth Chandler (Blanche Baker) en su casa después de la muerte de sus padres. Ahí Ruth, una mujer profundamente machista que malcría a sus hijos, junto a ellos se dedica a torturar, vejar, mutilar y violar día tras día a Meg sin ningún atisbo de compasión. Incluso sus hijos invitan a los otros niños del vecindario a ver y ser partícipes de las crueldades que le hacen mientras se mofan de ella. El único niño que siente un mínimo de compasión por ella y la intenta ayudar es David, el niño vecino a la casa pero aun así es testigo de varias de las torturas sin decir nada.



Es una película llena de dolor, crudeza y malestar pero no es para nada gore. El terror reside en la imposibilidad de las dos niñas de salir de ese infierno. Ambientada a mediados de los 60 sin una gran banda sonora ni casi escenarios, cuenta con una estética sencilla y unos diálogos más o menos aceptables. Uno de los puntos fuertes es la excelente interpretación de Baker que encarna a la perfección esa maldad de mujer despreciable a la que no puedes más que desear por cuadriplicado todo lo que sufre la niña. El horror además se magnifica cuando descubres que estos hechos fueron reales e investigando que fueron todavía peores que los que se narran. A día de hoy se sigue considerando el peor crimen cometido jamás en el Estado de Indiana.

Existe otra película que narra los hechos llamada An American Crime estrenada al igual que esta en 2007 protagonizada por una jovencísima Ellen Page más fiel a los hechos originales pero visualmente menos impactante.


Aquí el trailer el cual contiene pocos spoilers (es de agradecer):


Margot

miércoles, 24 de agosto de 2016

La Biblioteca De Margot: Lord Of The Flies

Lord of the flies (El señor de las moscas en España) es una película de 1990 dirigida por Harry Hook y basada en la primera novela de William Golding de título homónimo. El motivo del título alude a la maldad humana representada por la deidad Belcebú y toma Señor de las moscas como sobrenombre.

 


La película narra el naufragio de un grupo de niños ingleses que son evacuados durante la guerra en un avión. Debido a un infortunio este avión se estrella y los niños deben sobrevivir en una isla desierta sin adultos donde terminan por desarrollar sus instintos más primarios.


Este desarrollo conduce a una clara división entre los que hayan diversión en la caza y la ley del más fuerte en la isla y los que siguen aspirando a poder escapar de ella y regresar a su hogar. La primera sección la lidera Jack, es el grupo con más poder y todos los que lo componen obedecen sus órdenes como alfa. La otra sección la lideran Ralph, el protagonista de la película, el chico educado que usa la lógica en cualquier circunstancia y Piggy el niño del que todos se burlan por su condición física pero es el que más razona y demuestra más sensatez.

Esta película pone de manifiesto muchas cuestiones morales inherentes en el ser humano sobre su verdadera esencia. Por un lado tenemos el sentido común, el consenso, la igualdad y la democracia y por el otro lo primitivo, la violencia, el poder de sentirse por encima de las demás y la autarquía. Me parece muy acertado el hecho que se traten de niños los cuales aún no han acabado de ser condicionados por las convenciones sociales y se pueden usar como papel en blanco para construir el imaginario del film.

El ritmo de la película es constante y el escenario siempre es la isla como contexto de acción. A nivel de personajes son redondos y la evolución es progresiva a medida que avanza el metraje debido a la necesidad de adaptabilidad de esa situación extrema.

En definitiva, una película sencilla que muestra (en parte gracias a alguna escena bastante explícita) un retrato de la división entre hombre del progreso y hombre tribal, un film y obra literaria que bien habría aprobado Hobbes.



Aquí el tráiler a vuestra disposición:



Margot

miércoles, 10 de agosto de 2016

La Biblioteca De Margot: The Mist

¡Muy buenas y bienvenidos esta semana a la biblioteca del misterio!


The Mist (La Niebla en España) es una película de terror del 2007 dirigida por Frank Darabont (The Green Mille, The Shawshank Redemption) y protagonizada por Thomas Jane. Está inspirada en la novela homónima de Stephen King y aunque es fiel a la obra su final es completamente nuevo.

La historia narra como a raíz de una fuerte tormenta aparece una niebla sobre un pueblo estadounidense que mata a todo el que la envuelve porque en ella se esconden unas misteriosas criaturas. La historia gira entorno a David Drayton, su hijo y su vecino que han quedado atrapados junto a varias personas más en un supermercado en el que estaban comprando antes del accidente. A partir de ahí comienza una espiral de muertes, pánico y confrontaciones incluso religiosas.



The Mist no es una película de sustos del tipo de terror blockbuster al que se ha acostumbrado Hollywood sino que juega con aquello que siempre queda oculto entre las sombras y que no es más que una premisa para (al más puro estilo de King) desentrañar los horrores que residen en los humanos. El miedo, la angustia, que llevan a personas a situaciones límite. De hecho los monstruos son bastante anecdóticos puesto que no se muestran más allá que insectos gigantes o tentáculos como si de un Cthulhu se tratase.


Tiene una atmósfera claustrofóbica, un ritmo progresivo y no cuenta con grandes efectos especiales sino que se basta de los justos y necesarios. Además cuenta con un rollito serie B que le da mucho encanto al metraje y el final es verdaderamente escalofriante, lo mejor de lejos de toda la película.

Como comentaba al principio el final de la película fue reescrito por Darabont sobrepasando la oscuridad del final original de la obra. De hecho, King ha aceptado esta reinterpretación como la mejor que se ha filmado de todas las adaptaciones producidas de sus novelas (que no son precisamente pocas). Aún a día de hoy crea controversia entre los que lo alaban o los que consideran que fue rizar el rizo.


Margot