viernes, 23 de febrero de 2018

Anime No Shiro: Bayonetta: Bloody Fate

¡Konnichiwa Domingers!


Como hace días se estrenó Bayonetta para "Nintendo Switch", hoy os voy a traer la película. Ángeles y brujas luchando en una historia llena de disparos, sensualidad y sarcasmo.

Bayonetta: Bloody Fate es una película de animación Japonesa, producida por el estudio Gonzo y basada en el videojuego Bayonetta del Creador Hideki Kamiya. Fue dirigida por Fuminori Kizaki con guión de Mitsutaka Hirota. La película fue estrenada en los cines japoneses el 23 de noviembre de 2013 y posteriormente lanzado en DVD y Blu-ray el 14 de febrero de 2014.


Un film Anime donde nos explican los sucesos del juego original.

En el film se nos presenta a la bruja Bayonetta que, tras despertar de 500 años de su letargo en el fondo de un lago sin recordar nada de su vida anterior, se embarca en un viaje para re-descubrir su identidad y su pasado.


Hace mucho tiempo en una ciudad llamada Vigrid, los sabios (seres de la luz) y las brujas (seres de la oscuridad) vivían en armonía. El mundo de los hombres, el infierno y el paraíso estaban en orden, hasta que se desató odio entre estos clanes, provocando una guerra sangrienta que terminó con la existencia de las brujas y los sabios en Europa durante la Edad Media.

La historia nos ubicará en un Vigrid 20 años después del despertar de Bayonetta y como ella luchará contra un gran peligro para evitar la destrucción de la tierra.


Como es de esperar no vamos a tener una película solo llena de acción o esta no duraría más de 30 minutos. Si bien el comienzo del film difiere de lo visto en consolas, la personalidad, los movimientos y sensualidad de Bayonetta siguen presentes en este Anime.

A lo largo del film iremos saltando del presente al pasado en un sinfín de flash-backs. Recurso más que justificado para poder unir sucesos y hacer una historia entendible para todo el mundo.
Por otra parte la historia sigue el curso narrativo del juego, se salta ciertos sucesos y altera otros, no son cambios enormes pero hay momentos que se hace algo pesada y en otras algo apresurada.


Pero, ¿Que quieren los ángeles?, ¿Que mal quiere acabar con la Tierra? Y lo más importante, ¿Quien es realmente Bayonetta?


¡Arigato! ¡Hasta la próxima!

Trailer:


miércoles, 21 de febrero de 2018

The British Corner: Desayuno en Plutón

Hello, Dominguers! Es hora de ponerse el bombín y preparar el té, porque llega una nueva entrega de The British Corner

Tras unas semanas en las que me he ausentado de nuestra cita con lo británico (con permiso del boss Iván) para atender asuntos personales, aquí vuelvo con muchas ganas y fuerzas para seguir acercándoos cada quince días un trocito de las Islas del otro lado del Canal de la Mancha. 

Y hoy lo quiero hacer a través de una película ambientada en la Irlanda de los años 60-70, para conocer la peculiar historia de un chico que fue a nacer en un mundo que no estaba hecho para él. Un alma cándida en un mundo perversamente cruel y retorcido. Vamos con DESAYUNO EN PLUTÓN.


Desayuno en Plutón es una producción británica-irlandesa del año 2005, catalogada como comedia dramática y dirigida por Neil Jordan. El guión de la misma está inspirado en el libro homónimo escrito en 1998 por Patrick McCabe, por lo que la trama del film es ficticia, si bien está ambientada en una época y contextos históricos reales. 

Nos situamos en Tyrellin, un pueblo irlandés (en éste caso ficticio) situado muy cerquita de la frontera entre la República de Irlanda y el Ulster/Irlanda del Norte. Un bebé es abandonado por su madre a las puertas de la casa del párroco local, padre Liam (Liam Neeson). A su vez, éste lo entrega a la señora Braden (Ruth McCabe) para que junto a su hija Caroline (Charlene McKenna) hagan de familia adoptiva del niño.


Pronto el pequeño Patrick (interpretado de niño por Conor McEvoy) empezará a descubrir atracción por el maquillaje, los vestidos de chica... Algo que le costará severos disgustos y discusiones con su familia adoptiva, la cual no acepta de buen gusto las inclinaciones de Patrick. Sólo sus fieles amigos Charlie, Irwin y Lawrence le aceptan tal como es. 

La película da un salto en el tiempo hasta encontrarnos a un ya adolescente Patrick (interpretado aquí por Cillian Murphy) que no esconde su faceta de transexual, autodenominándose Patricia y Gatita. Constantemente metido en líos tanto en la estricta escuela católica en la que estudia (debido a su peculiar obsesión en averiguar quién es su madre biólogica y en cómo fue concebido) como por sus escarceos con miembros del IRA, decide que Tyrellin no es lugar para él y pone rumbo a Londres para iniciar la búsqueda de su madre.


Pero el joven Patrick es demasiado bueno para una ciudad del calibre de la otrora capital del Imperio. Su bondad y candidez se verá golpeada constantemente por gente de dudosa reputación humana, que no tendrán reparo alguno en aprovecharse de su buena fe. Si a eso le añadimos su origen irlandés, lo que en aquella época significaba automáticamente ser sospechoso de pertenecer o simpatizar con el IRA... el lío está asegurado. Veremos cómo llega un momento en que su vida parece un coche cuesta abajo y sin frenos, camino de la perdición final si nadie pone remedio. 

"Desayuno en Plutón" intenta acercarnos a lo largo de dos horas al mundo de los primeros transexuales que aparecieron en la escena pública del Reino Unido, en una década en que aún se regían por férreos valores socioculturales. La película, además de exponer las dificultades de los transexuales para subsistir, nos muestra el conflicto norirlandés y el terrorismo del IRA en sus años de más violencia, lo que creó una terrible oleada de xenofobia entre la sociedad británica hacia las personas de origen irlandés o hacia cualquier cosa que proviniese de la Isla Esmeralda. Destacar la magnífica interpretación de Murphy en el papel principal, así como la gran banda sonora elegida para amenizar los diferentes pasajes de la película.

Aquí podéis ver el tráiler:


Nos leemos en la próxima entrega. Ta-ra, lads!

lunes, 19 de febrero de 2018

SPANISH BIZARRO: PERROS CALLEJEROS

En la España posfranquista se creó un subgénero cinematográfico llamado “cine kinki” en el que los protagonistas solían ser delincuentes menores de edad con tendencia a buscarse problemas con la justicia. El sexo, la violencia y el sensacionalismo eran los ingredientes fundamentales. Y una de las películas clave de este tipo de cine fue PERROS CALLEJEROS dirigida por José Antonio de la Loma, la cual fue un exitazo en taquilla. No tardaron en hacerse dos destacables secuelas: “Perros Callejeros 2” y “Los últimos golpes del torete”. Eso no quita que esta “trilogía kinki” fuese puesta a caer de un burro por los críticos más gafapastosos, pero es algo que tampoco sorprende.


Una pandilla de chavales ( que apenas llegan a los 16 años ) se ha especializado en el robo de coches. Con ellos se dedican al robo del 'tirón', al asalto de tiendas y al ataque de parejas para desvalijarlas. Sorprendidos a veces en sus fechorías, entablan vibrantes persecuciones con la policía, poniendo así en riesgo sus vidas.


El film narra las aventuras de "El Torete” y su cuadrilla, que no dejan de ser personajes reales sacados de la Mina, un barrio barcelonés de los chungos. Tienen su propia jerga ( en ocasiones con palabras ininteligibles ) y una filosofía de vida muy “carpe diem”. No olvidemos que los protagonistas son todos actores no profesionales, con lo cual la interpretación se resiente bastante. Con toda probabilidad, serían expulsados de cualquier grupo de teatro amateur en la actualidad. Pero, no obstante, la cosa funciona ya que muestran con realismo la chulería macarra y el machismo rancio típico de los kinkis. Además, el conjunto de escenas centradas en las persecuciones a más de 100 por hora en el centro y afueras de Barcelona son una puta pasada. Ríete tú de la saga Fast & Furious.

Por otro lado, llama la atención lo ligón que es el Torete y la consecuente retahíla de desnudos femeninos gratuitos que ello conlleva. Todo muy marca de la casa. Está claro que nos quieren hacer ver que, en el fondo, es un tío sensible y tierno. 


La fotografía sucia y oscura que predomina durante todo el film ayuda a meter de lleno al espectador en la problemática de la delincuencia juvenil (aunque, obviamente, no se explica de forma academicista ). De la Loma es un cineasta pura sangre que disfruta con la estética neorrealista y también con los movimientos de cámara. Y eso se nota. 

Cabe destacar que Ángel Fernández Franco alias “El Torete” murió a los 31 años víctima del SIDA debido a su adicción a la heroína. Fue enterrado en el cementerio de Montjuïc, en Barcelona.


Estamos ante un eficaz producto cinematográfico que marca el pistoletazo de salida del cine kinki, un subgénero que ha vuelto a ponerse de moda en la actualidad. Una oda a la libertad que resume muy bien el Torete con la siguiente frase: “A mi me gusta estar suelto, andar por ahí, ser libre y no estar a golpe de pito”. Pues eso, tomen buena nota 


Aureli Del Pozo


viernes, 16 de febrero de 2018

BAÑO DE SANGRE VOL. XXXV – “CORPSE MANIA”


Aunque no seas ningún especialista en cine asiático (como un servidor, que tiene muchísimo que aprender aún), el nombre de los Shaw Brothers seguro que te resultará conocido. O por lo menos te sonará de algo. Si te gustan las películas de artes marciales seguro que, consciente o inconscientemente, has visto numerosos títulos producidos por estos cuatro hermanos. Y es que los Shaw Brothers cuentan con uno de los legados más importantes del cine asiático, con decenas y decenas de títulos producidos.


Si bien su fama se debe principalmente a títulos míticos de artes marciales como Las 36 Cámaras de Shaolin, El Espadachín Manco o El Trío Magnífico, poca gente sabe que los Shaw Brothers produjeron películas de muy diversos géneros, entre ellos algunos títulos de terror de los que cabe destacar (por popularidad) su mítica Kung Fu Contra los 7 Vampiros de Oro. Más allá de ello, su catálogo de títulos de terror y exploitation resulta relativamente desconocido para muchos (vuelvo a levantar la mano), más teniendo en cuenta que algunos de sus títulos están inéditos en España. Este es el caso del título que nos ocupa, el cual a priori puede parecer lo que no es… Y es que, con ese sugerente título, nuestras mentes nos llevan automáticamente a pensar en un clásico splatter con chorros de sangre, muerte y destrucción por doquier. Ni mucho menos, sin algún input previo, se nos ocurriría relacionar semejante título (más teniendo en cuenta su procedencia) con un género como el giallo.



Existe un debate que nunca tendrá fin ni consenso sobre cuáles son los mínimos y límites para catalogar una cinta como giallo ya que, si bien su procedencia es un elemento primordial para definirlo como tal y separarlo de otros géneros (los gialli son por definición italianos), existen ciertos parámetros estilísticos que definen el género y que pueden aplicarse a películas de producción no italiana. Sea como sea, si bien es evidente que Corpse Mania bebe del giallo, el hecho de ser una película de los Shaw Brothers le da un toque tan particular que no sería descabellado inventarse una nueva etiqueta para ella. Si giallo significa “amarillo”, Google Translate dice que en chino sería huáng. Pues Corpse Mania es la precursora del huáng, zagales. Cine Domingo on top, creando tendencias.


Tontunadas y movidas estilísticas aparte, estamos ante una película con una narrativa algo confusa pero tremendamente adictiva y fácil de seguir, aparentemente sencilla en su capa superficial, pero a medida que avanza el metraje nos damos cuenta de que estamos ante algo mucho más trabajado de lo que inicialmente pudiera parecer. El claro ejemplo lo tenemos en cómo, poco a poco, los espacios van cobrando sentido y relacionándose entre sí. Esas calles tan pintorescas como angostas, empedradas y llenas de humo, iluminadas de una forma voluntariamente antinatural, forman un puzzle que nos ayuda a atar cabos, a dar un sentido y una trazabilidad al giro final. Por esos espacios se mueve una cámara que, mediante movimientos precisos y coreografiados, nos invita a ser observadores de los acontecimientos desde una distancia prudencial mientras la situación se va enturbiando poco a poco. Y es que, si bien uno está acostumbrado a ver las burradas más grandes que se le pueda ocurrir a un ser humano, pocas veces he llegado al borde de la náusea como con sus escenas de necrofilia en las que cientos de gusanos cubren cuerpos putrefactos abusados por nuestro macabro killer.



Si bien comentaba más arriba que Corpse Mania no es, aunque su nombre sugiera lo contrario, una película gore, ésta tiene generosas dosis de casquería en las que aparece de forma más evidente el limitado presupuesto de la cinta (que aparentemente se fundieron en decorados y focos) y que le aporta un toque ¿involuntario? de comedia en ciertas ocasiones. Pero otras escenas resultan de lo más escabroso y perturbador, como las ya mencionadas escenas de necrofilia gráfica y repulsiva.

En definitiva, un recomendable punto de inicio para descubrir otra faceta del imperio Shaw y sus aportaciones al cine hongkonés que, si bien no te cambiará la vida, te hará pasar un buen rato.

HAIL SEITAN!
Óscar Lladó

domingo, 11 de febrero de 2018

FreeDomingo: El monstruo de dos cabezas

¡Muy buenas Dominguers!,

Hoy voy un poco tarde y es que, a última hora, he decidido cancelar la recomendación que tenía preparada para marcarme un FreeDomingo para traeros algo flipante e impresionante que he visto ésta mañana. Una cinta de terror de finales de los 50 tan cutre como divertida, toda una curiosidad del cine de monstruos y científicos locos que vale la pena ver.

La peli en cuestión es El monstruo de dos cabezas aka. The Manster, una coproducción USA/Japón dónde el terror, la ciencia ficción y las más purista serie B americana se fusionan en una divertida aventura llena de clichés, monstruos y drama de lo más cutre y salchichero.


En El monstruo de dos cabezas, nos encontramos a un ávido y valiente corresponsal de guerra, que se encuentra a punto de finalizar su período laboral en Tokyo para volver a New York y así reunirse con su fiel y amada esposa que lleva tanto tiempo esperándole. Antes de que acabe su estancia en tierras Niponas, su jefe le encarga visitar a un extraño científico que dice tener entre manos un proyecto muy importante en el campo de la evolución del ser humano.

Y mientras el viril periodista se lleva la impresión de que, el profesor es es de esos mucho habla y poco muestra, el otro descubre qué él es el espécimen perfecto para su próximo experimento: El de crear una nueva evolución del ser humano, un ser que jamás ha pisado la tierra. Así que en lugar de whisky, le sirve al visitante una copa de somnífero que lo deja fritico y listo para inyectarle el mejunje que lo transformará en un monstruo.


Mientras el experimento hace y no hace efecto, el profesor se encarga de que el periodista se de a la mala vida a base de llevarlo a locales de Geishas prostitutas, baños termales con más prostitutas y borracheras de sake día si día también. Cosa que hace que su entorno y su mujer se empiecen a preocupar, pero eso a él no le importa y en lugar de preocuparse por temas tan importantes como la extraña mutación que está sufriendo, sigue con su nuevo estilo de vida a la vez que va cometiendo de manera inconsciente, algunos asesinatos por toda la ciudad.


Maquillajes imposibles, una historia rocambolesca y mucho alcohol, son algunas de las cosas que ofrece ésta interesante joya de la ciencia ficción llena de falsos estereotipos sobre japón y sus costumbres que no dejará a nadie indiferente.

Iván Fernández


viernes, 9 de febrero de 2018

Anime No Shiro: Kaze no na wa amunejia (El viento de amnesia)

¡Konnichiwa Domingers!

Se que llevo semanas sin escribir nada, así que hoy toca un film que me recomendó el cabeza de familia de CineDomingo (Iván) y del cuál realmente desconocía de su existencia, pero me encantó.

Hablamos de un Anime de los de antes, de los '90, de los buenos.

Kaze no na wa amunejia (El viento de amnesia) es una adaptación al anime (estrenada y dirigida en diciembre de 1990 por Kazuo Yamazaki) de la novela homónima de Hideyuki Kikuchi, originalmente publicada en 1983 por Asahi Sonorama.



Un fenómeno que desolaría el mundo entero si ocurriera en nuestro presente.

La historia nos transporta al año 1999, en unos Estados Unidos de América que se encuentran dentro de un marco post apocalíptico debido a que, un inexplicable viento ha borrado la memoria de las mentes de la población. Mientras Wataru, nuestro protagonista, intenta salvar a una "manada" de humanos que luchan con palos y piedras contra un robot exterminador, oye una voz que le indica donde apuntar su pistola para acertar en su punto débil y así acabar con la amenaza. Sophia, que así se llama la mujer que le ayuda a derrotar al Mech, le cuenta su intención de ir a Nueva York e inician juntos un nuevo viaje.


Una aventura dónde nuestro protagonista llevará a cabo la misión de mostrar a la gente de todo el mundo, todo aquello que le ha enseñado Johnny. Un chico en silla de ruedas, él cual no ha perdido la memoria y sabe leer, hablar, disparar, conoce la tecnología... En otras palabras,  es conocedor del legado de la humanidad, un conocimiento que pronto traspasa a Wataru.

Durante el viaje por tierras norte americanas, Wataru y Sophia, conocen a distintas personas y cuando pasan por Los Ángeles, acuden en ayuda de Sue, una chica que está a punto de ser sacrificada por una "manada" de humanos a un dios máquina. Hecho que enseña a Wataru que los humanos han tenido que crear nuevas leyes y reglas con las que conviven en un estado bastante primitivo. En otra ocasión se las ven y se las desean para escapar de una extraña ciudad dónde sus únicos habitantes viven bajo el dominio de un ordenador.


Todo esto además, transcurre siempre bajo la persecución del robot exterminador, que capaz de repararse y actualizarse, les sigue todo el rato la pista con el fin de acabar con la amenaza que supone nuestro protagonista.
No os cuento más, solo deciros que aunque lo vas imaginando, el final da un giro totalmente inesperado a la historia. 


Pero, ¿Quien es Jhonny y por que no había sido borrada su memoria?, ¿Podrá Wataru llevar a cabo su misión?, y lo que es más importante, ¿Quien es Sophia y por que no le ha sido borrada
su memoria?

¡Arigato! ¡Hasta la próxima!

Película completa (Español):



jueves, 8 de febrero de 2018

Crónicas Festivaleras: Salón del Cine y las Series 2018

¡Muy buenas dominguers!

Vengo a hablaros del Salón del Cine y las Series que se celebró los días 2, 3 y 4 de febrero en la farga de l’Hospitalet de Llobregat. Un evento que va haciéndose cada año más interesante

El viernes pudimos disfrutar de la charla entre Nacho Vigalondo y Manuel Bartual. Las referencias a las redes sociales y, en especial, a Twitter fueron una constante. No en vano, Bartual es conocido por su famosa historia de verano que tuvo en vilo a muchísima gente en la red social del pajarito. Todo y así, también hubo tiempo para hablar de cine con un Vigalondo en su salsa, reconociendo que es un consumidor compulsivo de cómics y que se dedicó al mundo del cine debido a que viendo lo poco que ganaban sus compañeros fanzineros, no dudó en coger el camino del séptimo arte.

Gisela y Aureli junto a Nacho Vigalondo
El sábado tuvimos el plato fuerte con LA BATALLA FINAL: CINE VS SERIES un debate entre 6 bloggers de los Blogos de Oro (entre los que figuraba un servidor en representación de CineDomingo) sobre si es mejor el cine o las series. 

Estuve defendiendo el bando del cine a capa y espada ante una Sala Auditori llena a rebosar y ávida de emociones fuertes. Las pullas entre el bando del cine y las series no cesaron durante la hora que duró la batalla, pero siempre con humor y rigor en los argumentos. El cine se impuso en los asaltos referentes a DURACIÓN y PUESTA EN ESCENA mientras que las series lograron vencer en REPARTO y ENTRETENIMIENTO. El último asalto trató sobre la VARIEDAD y fue decisivo a la hora de determinar un empate técnico con el que se enterró el hacha de guerra. Fue toda una experiencia enriquecedora en la que lo más bonito fue ver las reacciones de un público entregado que eligió en cada asalto su bando favorito sin trampa ni cartón.


El equipo del debate CINE VS SERIES en un abarrotado Auditori
Después de comer fuimos a la interesante charla sobre doblaje ofrecida por DUBBING FILMS. En ella, algunos actores de doblaje como Roger Pera nos contaban las vicisitudes del sector: Horarios intensivos de madrugada, temporalidad y precariedad a la orden del día, inestabilidad emocional…..Además de cuidar la voz a base de beber mucha agua y dormir 7 horas al día. A destacar la respuesta de Pera sobre si un aspirante a actor de doblaje debe tener una voz peculiar: “Un actor de doblaje ha de saber interpretar, el tema de la voz es secundario”.

También tuvimos tiempo de meternos en el pasaje del terror que prepararon los miembros de Horror Box y cagarnos de miedo. Asfixiante y no apto para cardíacos, aunque es necesario resaltar que el Leatherface que debía salir al final del camino no apareció. Probablemente estaría meando ( o tomando un carajillo de Bailey’s )

Finalmente, el domingo fue el día en el que David Martí de DDT FX protagonizaba la charla MONSTRUOS: DEL GUIÓN A LA PANTALLA. El ganador de un Oscar nos mostró máscaras de películas como EL LABERINTO DEL FAUNO o EL ORFANATO y nos aseguró que el director más exigente con el que ha trabajado es el mexicano Guillermo del Toro. Por lo visto, Del Toro es de los que tiene 2.500 referencias visuales en la cabeza y te puede hacer cambiar un elemento de maquillaje de un día para otro.


Y esto es todo, amigos. Comentar que este año ha habido más stands y charlas molonas que el año pasado y una mejor distribución en la Farga. Ojalá el Salón del Cine y de las Series no pare de crecer año tras año.

Aureli Del Pozo

domingo, 4 de febrero de 2018

Mom and Dad

¡Muy buenas Dominguers!,

El terror es algo que no siempre ha de ir ligado al miedo o la angustia. Muchos son los títulos que, a lo largo de décadas, han logrado un éxito notable e incluso alcanzado la categoría de culto, mezclando dos cosas tan aparentemente opuestas como el terror y la comedia.

Hoy en día dónde estamos un poco sobresaturados de producciones que buscan el susto fácil y el morbo de lo sobrenatural o lo satánico, aún hay gente que apuesta por mezclar con elementos más clásicos del terror con el humor tontico y simpático. Y de eso trata la recomendación de hoy, una título actual y terroríficamente divertido que pudimos disfrutar en el pasado Terrormolins.


La peli en cuestión es Mom and Dad, una comedia de terror bastante negra dónde un virus provoca que los padres sientan la necesidad de matar violenta y salvajemente a sus hijos. La acción se centra en una pequeña y típica familia de clase media norteamericana, cuyo hogar se convertirá en un campo de batalla dónde dos hermanos tendrán que sobrevivir a los repetidos ataques por parte de sus progenitores, que a la vez que intentan matar a sus hijos con cualquier objeto o herramienta que tengan a mano, recordarán a base de flashbacks cómo la paternidad les arruinó la vida.


Una película brutal de atmósfera zombie, divertida y sin complejos que rescata a un Nicolas Cage que hace mucho que no veíamos.

Sangre, niños muertos y mucho, pero que mucho humor, son algunas de las muchas cosas que ofrece ésta divertida joya de 2017 muy enérgica y casi apocalíptica que explota al máximo los estereotipos sobre la paternidad y la vida familiar.

Ideal para ver junto a unas palomitas y unas cervezas bien frías, acompañados de alguna parejita de colegas ilusionados con eso de ser padres.



viernes, 2 de febrero de 2018

BAÑO DE SANGRE VOL. XXXIV: “SCARECROWS (ZONA RESTRINGIDA)”

Recuerdo, años ha, cuando no levantaba ni dos palmos del suelo, el miedo que pasaba en casa de los abuelos de uno de mis mejores amigos cuando se nos colaba la pelota en el huerto y tenía que ir a por ella. No, el hecho de que a día de hoy sea vegetariano demuestra que no les tenía miedo a las verduras y hortalizas tan hermosas que el abuelete tenía plantadas ahí, ni a los gatetes que aparecían entre los matojos de repente. Lo que me acojonaba eran esos hijos de puta antropomórficos de paja y tela que llaman espantapájaros, que protegían y reinaban en el huerto con mirada desafiante.
Los culpables de ese terror (fundadísimo, porque… ¿a qué niño no le acojonan esas putas criaturas del averno?) fueron sin duda, como buen 90’s kid, el libro y el capítulo de Pesadillas que tenían los espantapájaros como protagonistas, en una versión light de lo que años después descubriría que era un subgénero en sí mismo: las películas de espantapájaros asesinos. Un subgénero con más títulos casposos que decentes, eso sí. Así que, en un descanso del trabajo, me topé con un “maravilloso” cartel en el catálogo de Movistar+ que prometía una buena dosis de caspa.


Lo que no esperaba era que esta Scarecrows (Zona Restringida en España) también tuviera unas razonablemente generosas dosis de casquería lo cual, si estás leyendo esto y no la has visto, probablemente sean buenas noticias. Y es que en su equipo técnico hay algún gran nombre como el director de fotografía Peter Deming (Evil Dead 2, Twin Peaks, Mulholland Drive…) quien, en cierto modo, proporciona el toque diferencial a la película.


Una panda de ladrones malotes (que a ratos tienen buen fondo, según sople el viento) comete un robo millonario y huyen en un avión secuestrado con el piloto y su hija a bordo. En su huida hacia México, el más malote de todos (aunque luego resultará que es un poco cagao) se lanza en paracaídas con el botín sobre una especie de granja/cementerio abandonada llena de espantapájaros malrolleros que acojonarían al mismísimo Damien Thorn. Obligados a aterrizar para recuperar el botín, los ladrones, el piloto y su hija protagonizan una a ratos ridícula y en global aburrida primera mitad de la cinta que parece un concurso de malas actuaciones… hasta que la película se transforma en un cruce sangriento entre Predator y Evil Dead, cobrando protagonismo las decapitaciones, los destripamientos, y las escenas escabrosas en las que, poco a poco, todos van cayendo muertos.


Sin duda, estamos ante uno de esos maravillosos mejunjes low cost ochenteros que roban descaradamente de aquí y de allá, pero con una apariencia ligeramente más profesional que otros títulos que podríamos clasificar del mismo modo, gracias a la ya mencionada fotografía del aún poco experimentado Deming, a quien me imagino en el rodaje, como buen guerrillero del cine, en plan Rambo, con la bandana, cubierto de barro, fumándose un puro y batallando para sacar algo decente con un presupuesto que no daba ni para pipas. Y los asistentes de producción señalándole y diciendo “A lo que usted llama infierno, él lo llama hogar”.

HAIL SEITAN!


Óscar Lladó